Sí, hoy echamos mano de la nostalgia (como si esa no fuese la regla habitual de esta página) para escribir un artículo de felicitación navideña. El año Orwell (1984) fue mágico para quién suscribe.
El año del “Arena” de Duran Duran y sus “chicos salvajes”, del “Parade” de Spandau Ballet, de la “lluvia púrpura” de Prince, del “Some Great Reward” de Depeche Mode, “Like a Virgin” de Madonna, “Born in The US” del bueno de Bruce, “Deseo Carnal” de Dinarama, “La ley del desierto/La ley del mar” de Radio Futura, del “Bandido” de Bosé, “1984” de La Mode…Un año clave para los que empezábamos a amar la música por encima de todas las cosas. Sí, de todas. Por eso, la mayoría de los artistas/grupos mencionados hoy han formado parte de esta página desde su creación.
1984 fue el año en el que supimos que había músicos muy comprometidos y que el hambruna en África vivía, por decir algo, sus momentos más inhumanos. Band Aid nos reconcilió con nuestra propia conciencia a base de villancico pop y mucha pose ochentera. “Do They Know It´s Christmas? (¿Saben ellos qué es la Navidad?) fue un mega-hit conformado por un mega-grupo de artistas muy de moda entonces: desde los chicos/as de Duran Duran y Spandau Ballet a Bananarama, Boy George, Sting, pasando por, George Michael (sic), Bono o Paul Young. Comandados por un Bob Geldof al que solo conocían sus amigos más íntimos y que, desde ahí, conocería todo el mundo, más por su activismo que por su carrera musical.
La canción es un caramelo pop, muy inglés. Composición que podría haber firmado cualquiera de sus intérpretes. Fue número 1 y propició que los americanos hicieran sus propia limpieza de conciencia con el archi conocido “We Are The World”, tema que, para servidor, no le llega ni a la suela de los zapatos del inglés.
Hubo hasta tres versiones después, la última datada en 2014, con la consecuente sucesión de intérpretes adaptando el sonido a los tiempos y CON BONO, ¡SIEMPRE!
No estamos muy por la labor de hacer listas con lo mejor y lo peor del año. Primero porque creo que a muy pocos le interesa una opinión unipersonal, que no deja de ser otra cosa que los gustos de UNA sola persona. Tampoco tenemos el reconocimiento masivo como página musical, ni somos referencia, ni críticos especializados, ni eruditos…ni nada de nada. Nos gusta la música y punto. Desde hace más de 40 años, en realidad. Así que si tuviéramos, o tuviésemos, que quedarnos con una de las canciones que más nos han removido este 2017 que se nos va, aquí la (s) tenéis. Y explicaré su porqué.
Nacional:
Abrir/Cerrarde ELECTRONIKBOY
El porqué es muy sencillo. Aquí descubrí una forma de trabajar muy de corazón, de verdad, sin cortapisas ni flaquezas. Había ganas de un nuevo disco de Electronikboy y a las pruebas me remito: un álbum (CORTOCIRCUITO) repleto de electropop sin prejuicios, bailable, bakalaero y afrancesado. Más ilusión que medios y muchas ganas de vivir todo al 100%. El trío conformado por Mist3rfly, Xavi SideBoy y Hugo Ramos ha demostrado que no hay una varita mágica para triunfar, solo trabajo y más trabajo. El movimiento es lo que define este proyecto que en 2018 va a seguir dando muchas alegrías y sorpresas al personal. Mi canción favorita del disco es “Biblioteca Nocturna” pero elijo esta porque es una de las canciones, en las que he tenido el gusto de participar este año, y de las que más orgulloso me siento, por la producción y la letra: “Y esperar una nueva luz que ilumine todo menos tú…”
Internacional:
“I Dare You” de The XX
Esta vuelta a la luminosidad del baile (sic) de los de Jamie XX ha sido una de las grandes sorpresas de este año. Así arrancaba un 2017 que se preveía inmenso en novedades de calidad suprema. El disco es una joya y casi todos los temas podrían haber sido elegidos como single, sin embargo todos estábamos esperando que a éste, en cuestión, le dieran el lugar que se merece con la realización de un preciosista videoclip. Es la gran canción de “I See You” y la que más habré reproducido en los últimos meses. El álbum no ha logrado sobrevivir tanto tiempo en mis aparatos reproductores pero, sí, es uno de los discos del año, sin duda.
Tras el “Cinco canciones que nos enamoraron de Depeche Mode” llega esta segunda parte en la que damos (doy) las razones por las que empecé a no tenerles en cuenta. Si las cinco piezas, ya mencionadas, corresponden a la era pre-Ultra, la compilación de hoy corresponde a su época más reciente y, curiosamente, son las canciones elegidas para presentar sus últimos álbumes.
5. HEAVEN (DELTA MACHINE). En un principio me pareció un single arriesgado, algo parecido a lo que fueron en su día “I Feel You” o “Barrel of a Gun”, que luego arrastraron elepés enormes (sí, también ULTRA, aunque mucho menos que sus predecesores). Una balada crudísima y decadente, algo que se nota hasta en su videoclip, como a medio gas todo. Una vez pasada la sorpresa inicial, y la esperanza, una vez adentrados en el concepto del disco todo se diluyó rápido, incluso la percepción de inicial de que “Heaven” fuese un buen sencillo de presentación. Solo “Broken” podría salvarse de la quema.
4. WRONG (SOUNDS OF THE UNIVERSE) Si bien éste fue un tema que me ganó en sus primeras escuchas terminé apartándolo a un lado tras la pobre repercusión que tuvo el álbum: un paso definitivo hacia el ostracismo por parte de los fans más radicales. El conjunto de estos sonidos universales es muy pobre y sólo el primer single podría reconciliarnos con ellos, aunque solo los más acérrimos lo reivindican. No es una mala canción, no de las peores, pero sí el disco.
3. DREAM ON (EXCITER) Un despropósito, lo cojas por donde los cojas. Mala elección para presentar este excitable disco, cuando aún suspirábamos porque la estela de ULTRA siguiera un camino, digamos…justo. Pero no, aquí pincharon en hueso eligiendo este primer single para promocionar un álbum que sí que contenía alguna pieza muy reivindicable como “I feel Love”.
2. JOHN THE REVELATOR (PLAYING THE ANGEL) El bueno de Gore en horas bajas. Una de las canciones que más he aborrecido, con el paso del tiempo, del repertorio de los británicos. Fue una pieza clave en sus directos y creo que ya no la llevan en su setlist. Un intento de rock mesiánico que habla de un Dios de dioses, de un mesías que miente. La política (como veremos ahora) y la religión nunca fueron sus fuertes, si exceptuamos esa maravilla de 1984, “Blasphemous Rumours”
1. WHERE´S THE REVOLUTION (SPIRIT) Para echar a correr, directamente. El primer single de su último álbum aporta NADA a su carrera. Los mensajes tan banales y manidos que lanzan y con los que llaman a la revolución para arreglar un mundo en decadencia provocan de todo menos eso, rabia. Pero claro, el disco tiene poco atractivo para elegir un sencillo de presentación, solo la composición de Gahan, “Cover Me”, podría haber sido la más acertada por ese registro más etéreo de su propuesta.
Esta pequeña joya, escondida en el séptimo álbum de Duran Duran, de título homónimo, cuenta con la colaboración del mítico Milton Nascimento. Una canción que fue single de ese disco que reencontró a la banda con el éxito masivo pero que se vio eclipsada por los dos grandes éxitos: “Ordinary World” y “Come Undome”. Del disco se extrajeron un total de siete sencillos siendo éste que nos ocupa uno de los más originales por esa demostración de versatilidad de una banda que nunca dejó de evolucionar a pesar del declive tras su “Notorius” (1986). Alma latina, hasta ahora impensable en los parámetros de los de Simón LeBon, que le dan al tema una pátina aún más elegante y sofisticada de delicadeza pura y dura. Los años posteriores y su carrera artística ya nunca fue igual, a excepción de algún que otro acierto como aquel “Astronaut” de 2004.
Sí, ellos han vuelto a arrasar en nuestro país, por sus conciertos claro. Depeche Mode siguen teniendo la cartera asegurada, repleta, por los miles y miles de fans que cosecharon en los 80 y 90 y que aún les siguen allá dónde se dejen caer con sus sintetizadores, sus guitarras, su voz engolada, sus amaneramientos y con el otro (Andrew Fletcher). Llenos los dos recintos habituales en sus giras por nuestra España querida y unos seguidores satisfechos, casi orgásmicos. Si hubiese tenído oportunidad de verles, de nuevo, lo habría hecho aunque llevo dos décadas sin un mínimo sentimiento positivo hacia alguno de sus discos. Pero donde hubo fuego quedan brasas y aquí os dejo una lista con cinco canciones (podrían haber sido muchas más) por las que les amé hasta la estenuación.
5. LITTLE 15
Para muchos este es su segundo mejor disco. “Music For The Masses” les confirmaba como grupo de eso, de masas, de estadios, de fervor electrónico, de estética y pose atormentada ya para siempre jamás. Esta pequeña pieza cerraba la cara A de un álbum que en 1987 me cogió por el pecho para no saltarme nunca.
4. NEVER LET ME DOWN AGAIN
A este mismo elepé pertenece esta catedral. Uno de sus himnos más coreados y estremecedores. Casi cinco minutos de extasis, de fe y devoción. Una obra maestra que habla de amigos para siempre, de decepciones, de viajes astrales…
3. STRIPPED
Primer single de otro de esos álbumes (BLACK CELEBRATION) en los que cambiaron el ¿registro? para adentrase en el lado más oscuro de la banda. Un desnudo integral con uno de los finales más portentosos de su carrera, sobre todo en esta versión con la que aprendido a aporrear cubos de basura como si ni hubiera mañana.
2. HALO
VIOLATOR es, para la gran mayoría de seguidores/as su obra maestra, cosa que no pongo en duda, sin embargo fue para mí el BLACK CELEBRATION su disco más conseguido, el más redondo. Sin embargo no podemos dejar de caer rendidos a ese “Personal Jesus”, al “Enjoy The Silence” o “World In My Eyes”. VIOLATOR tenía para dar y tomar y sus singles competían en calidad directa con los que no lo fueron. No había relleno y a las pruebas me remito, este HALO es una de sus canciones imprescindibles.
1. WALKING IN MY SHOES
Con “Song Of Faith And Devotion” marcaron otro hito, ser número uno en Estados Unidos. Con esta canción, precisamente, se hicieron aún más enormes y con un cambio de registro hacia el rock /grunge, tan de moda en aquellos primeros 90, que les sentaba de maravilla. Lejos de que sus fans más acérrimos se tiraran de los pelos, el cambio de sonido e imagen fue acogido con devoción. Esta es una de sus mejores canciones de siempre…
Mi historia de amor con el quinteto murciano comenzó mucho antes de esta canción. Ya había vínculos afectivos antes de que existieran como Second y siempre les tuve presentes. Sin embargo fue este “Invisible”, trallazo guitarrero y muy Britpop, que daba título a un disco de 2005, el que lo cambió todo.
A partir de este álbum, en el que comenzaron a coquetear con el castellano, los autores de “Rincón Exquisito” subieron a los altares del “festivaleo” patrio siendo, desde entonces, imprescindibles en cualquier cartel que se precie. Su fuerte es el directo, de sobra lo sabemos todos: sin parafernalias, sin parapetos, desnudos, visibles y muy músicos, han conseguido una legión de fans a base de trabajo, de esfuerzo, constancia, talento y cercanía. Y las canciones, claro. Ésta en concreto se ha hecho más invisible que otras de su amplio repertorio ya que las nuevas, lógicamente, piden paso. Ellos hacen discos para luego tocarlos en directo, como debe ser, y de vez en cuando recuperan viejas joyas como la que nos ocupa hoy. Un hit que no lo fue (tanto como otros) pero que siempre reivindico por su rabia, sus guitarras electrizantes, esa base rítmica sin precedentes, entonces, en nuestro pop patrio y una de las voces masculinas más bonitas de nuestro país. Propongo un juego: ¿qué grupo británico, de principios de los 90, podría haber firmado esta canción, tan ricamente, y haber seguido petándolo?
Un “Agente 99” que nos devuelve de lleno a los primeros años 90, a la electrónica “desprejuiciada” y “de moda”, cuando este estilo era prioritario. BUISAN no tiene doble lectura y ataca (y acata) de frente este proyecto que tiene más ilusión que pretensiones. Se trata de un dúo argentino que lleva 25 años escribiendo canciones, decenas de ellas que nunca han visto la luz, hasta ahora. Este primer disco es el primero de una trilogía que irá viendo la luz en los próximos meses gracias a la producción de Javier León quién, además, interpreta alguno de los temas.
Recatan el sonido original de aquellas demos y las fuentes de las que bebieron (y beben), desde Jean Michel Jarre a Nacho Cano, dando al resultado final un toque actual, pretendido pero no prioritario. La cuestión es dar a luz un sueño acariciado desde hace décadas con la honestidad de saber donde están y a qué aspiran. Muy pronto hablaremos con ellos y su productor, Javier León, para que nos cuenten esta maravillosa experiencia que nos recuerda muchas cosas…sueños de juventud cumplidos.
Dos de dos. Ya van dos adelantos para lo que será el próximo álbum del dúo sevillano, X+M o lo que es lo mismo, Xelo Rico y Mist3rfly. Todo gira alrededor de ese número mágico. En este caso es un corte distinto al que ya conocíamos, el más berlinés “Stand and Shout” . Una pieza que navega entre el New Beat y el EBM pero con el característico toque tecnopop actual. El inicio nos recuerda mucho a otra ciudad fetiche de los amantes de la Electrónica, Valencia. El videoclip está realizado por el propio Mist3rfly en su línea habitual de mezclar imágenes, en este caso catastrofístas, con las del propio dúo. Todo en un blanco y negro cegador…
A la ciclogénesis, pop. Al mal tiempo, color. A la tormenta, el arco iris. Este arco iris, por ejemplo. Popmodernísmo es el título de este nuevo trabajo para un músico inquieto pero que se toma con calma su carrera. Electricidad en el trato cercano pero tranquilo y pausado a la hora de abordar el trabajo arduo que supone grabar un disco, el disco con el que has soñado, por supuesto. Se lo come y se lo guisa solo y tiene el don de saber rodearse de amigos y de que éstos acudan a la llamada sin pensarlo. El disco rezuma pop vitalista y clásico noventero, en su mayoría, sin dejar de mirar al presente. Canciones bailables y “llorables” por supuesto porque la música disco también se llora, puede contar cosas “terribles”si se lo propone y aquí Teenage (Juan Hernando) se desenvuelve como pez en el agua clara del electropop colorista. Si a su talento le unimos el de Javier Castellanos (Salvador Tóxico), Inés Glossie, Rafa Spunky, entre otros muchos,m el resultado solo puede ser positivo. Hablamos con él y de él, de su música, sus referencias y sus metas…
1. ¿Es PopModernísmo una declaración de intenciones a favor del pop, puro y duro?
¡Totalmente! Fue una idea que surgió cuando estaba grabando el disco. Soy un apasionado de la cultura pop en general y escucho de todo: artistas/grupos comerciales, bandas independientes e incluso underground (de esas que no conoce nadie jajaja…). La base de este disco es precisamente esa falta de prejuicios. Cuando me puse a pensar en un nombre surgió la palabra “Postmodernismo”; me sentía identificado con el movimiento artístico y me gustaba una frase del mismo: “la estética por la estética”. Si llevásemos esto a la música pop, sería algo parecido a: “el pop por el pop”. ¡El concepto me encajaba a la perfección! Pero la magia de la mutación a: “Popmodernismo” fue obra y gracia de Javier León, un amigo que me lo dijo “en plan broma” en plenas fiestas de la Latina jajaja.
2. Entre tanta banda festivalera, tanto mensaje cortavenas, tanto reguetón, trap…¿es necesario volver a la música colorista y desprejuiciada?
Pienso que sí. A mi me entristece mucho que el pop electrónico esté tan infravalorado en España. Quitando a varios artistas consagrados, no hay mucho espacio para nuevas propuestas y se nos presta muy poca atención… Tal y como está el mundo en la actualidad, cuando salimos de fiesta buscamos evadirnos, bailar y pasarlo bien. ¿Me equivoco? Por eso no logro entender del todo este asunto; más que nada porque escuchamos un montón de pop electrónico “de fuera”.
3. ¿Qué tanto por ciento, musicalmente hablando, podemos encontrar en tu disco de las últimas cinco décadas?
Un 10% de los 70’s, un 25% de los 80’s, un 40% de los 90’s y un 25% de los 00’s.
4. El álbum ha tenido un parto largo (no sé si duro) pero la espera ha merecido la pena e imagino que para ti el resultado…
Tardé mucho en sacarlo a la luz por falta de tiempo… Desde el principio tuve muy claro que quería que sonase potente, que todo estuviese relacionado (estéticamente hablando), etc. Esto a veces jugó en mi contra porque Teenage es un proyecto 100% Do It Yourself. Yo mismo me encargo de todo, así que te puedes hacer una idea de lo gratificante y doloroso (a partes iguales) que ha sido el parto jajaja. Había días que lo único que quería hacer era abrir la ventana, tirarlo todo y olvidarme pero… Había tantas horas de trabajo detrás, que sentía que tenía que hacer el esfuerzo y bueno, aquí está el resultado.
5. ¿Cómo llegas a colaborar con tantos artistas? ¿Lo tenías previsto así?
Inicialmente no era algo que tuviese en mente. Surgió a raíz de la colaboración que hice con Keunam para Batallas Navales. Me divertí mucho y me gustó tanto el resultado que, de repente, se me ocurrió que sería genial contar con una colaboración única en cada canción. ¡Me vine arriba en plan David Guetta! (aunque alguien me hizo la broma del “Papito” de Miguel Bosé jajaja…). Empecé a comentárselo a otros amigos y artistas y me llevé una grata sorpresa: ¡Nadie me decía que no!. Por supuesto, esto complicó y ralentizo el proceso de grabación porque tuve que regrabar algunas canciones enteras (había que ajustar el tono de algunos temas para que la tesitura de ambos encajase). La única canción que se quedó tal y como estaba fue “Rompecabezas”, el tema que abre el álbum. Es tan personal y estaba tan orgulloso que decidí dejarlo tal cual lo grabé, por eso no tiene colaboración.
6. Vimos a muchos de esos artistas acompañarte en el primer directo. Cuéntanos como fue…
Me habría encantado que hubiesen estado los 9 pero ya me pareció un logro contar con la mitad… ¡Fue un regalo tenerles a mi lado cantando! Son personas a las que admiro y respeto mucho. Era consciente de lo complicado que resulta cuadrar agendas, así que estoy más que satisfecho. A ver si para el siguiente concierto consigo arrastrar al resto…
7. ¿Mientras compoñias las canciones, así de primeras, te venían a la mente los posibles colaboradores? ¿Cómo seleccionaste la canción y el cantante que mejor encajaba con ella?
Realmente no, fue algo que se me fue ocurriendo según las iba grabando. Es cierto que había momentos en los que imaginaba a alguien cantándola, entonces me animaba y le escribía a ver si me decía que sí… ¡Y siempre me decían que sí! De hecho, estoy asombrado porque hay un montón de trabajo y esfuerzo detrás de cada canción. Algunos de ellos hicieron cosas tremendas… Rafa Spunky, por ejemplo, grabó un montón de armonías para el estribillo de “Tu peor pesadilla” (cuando le di al play por primera vez flipé en colores). O mi amigo Galder que, como no conseguía un ambiente seco para grabar “Disco Zombies”, acabó montándose el estudio en el coche y grabó ahí (tengo una foto para la posteridad jajaja). ¡Tengo un montón de anécdotas! De hecho, si todo marcha bien, a lo largo del 2018 iré haciendo una serie de vídeos hablando de cada canción del álbum, porque da mucho de sí jeje.
8. ¿Qué crees que puedes aportar a un panorama musical tan rico en proyectos y tan a la mano pero con una industria ciega?
Yo creo que puedo aportar mucho. Hay pocos grupos o artistas que desarrollen este estilo y pienso que a la gente le gusta bailar pero… Es cierto que hace falta llegar a más personas y, desgraciadamente, ese proceso es el más complicado y se ha convertido en una sensación realmente frustrante.
9. ¿Seguirás haciendo discos a pesar de las dificultades?
La verdad es que me gustaría, aunque no serían muy seguidos. Aún tengo mucho trabajo por delante con el disco (moverlo, etc.). Espero poder regresar pronto a los escenarios.
10. ¿Te sientes identificado con lo que escribes? ¿Escribes por y para ti?
Principalmente en mi; reconozco que partir de uno mismo es más sencillo pero también hay más verdad en lo que cuentas. Al final todos pasamos por lo mismo y nos sentimos identificados con mucha facilidad; también es cierto que en otras ocasiones parto de ideas, algunas veces bastante disparatadas… Me gusta mucho el arte, la literatura, el cine… ¡La inspiración me viene de distintas direcciones!
11. Una canción de toda la vida…
¿Sólo puedo decir una? Me resulta imposible… ¡Tengo demasiadas! Reconozco que siempre voy por épocas; hay canciones que llegan para quedarse y hay una que desde que llegó no me canso de escuchar: “Runaway” de Electric Youth.
12. Una banda, artista, de toda la vida…
Bis. Es un trío de Glasgow (Escocia) muy poco conocido. Crecí escuchándoles y fueron mi principal motivación cuando empecé a componer hace ya unos cuantos años… ¡Les debo mucho!
13. Canciones que te hacen llorar…bailando
“Dancing on my own” de Robyn o “There is still hope” de The Sound of Arrows.
14. Canción de la que está loco por hacer un cover…
Hay una canción que me gustaría versionear: “Retorciendo palabras” de Fangoria. La letra me gusta un montón. Igual, en un futuro lejano, me animo…
Si hay un proyecto que nos haya llamado la atención, en este 2017, es este. “Vendetta” es el título de la puesta de largo del dúo gallego y uno de los discos más originales de los últimos años. Mezclan el pop melódico con la electrónica más oscura y una lírica que rezuma mala leche al más puro estilo gótico-new wave. Tarci Ávila y Nacho Dafonte ya llevan, musicalmente hablando, muchas páginas escritas, a pesar de su corta edad. Se definen como unos Depeche Mode en castellano pasados de rosca… Hay quien les ha colgado la etiqueta de los Beach House españoles (algo por lo que apuesto más)pero lejos de esos parámetros estilísticos y las odiosas comparaciones ellos han venido a refrescar un panorama musical patrio falto de ideas, con muchas propuestas, sí, pero demasiado parecidas unas de otras. Ellos tienen imagen, algo que se ha descuidado desde hace muchos años en nuestra música, tienen talento, son músicos, creativos, modernos y con unas letras dignas de estudio porque son capaces de decir cosas muy duras de una forma delicada. Hablamos con ellos y esto nos cuentan.
1- ¿El Synthpop está de moda? O mejor dicho ¿es buen momento para reivindicarlo?
Hace ya unos 4 años que en E.E.U.U este estilo colonizó de nuevo toda la escena underground y, como siempre, esas tendencias tardan unos 5 años en llegar a España. Nosotros ya empezamos a palparlo… Y sí, nos parece un buen momento para refrescar un paisaje musical lleno de guitarras. Nos atreveríamos a decir que es sano y necesario.
2- ¿Qué creéis que aportáis de bueno y de nuevo al género?
Pues debemos matizar que nos hemos auto colgado la etiqueta SynthPop más por cuestiones técnicas que estilísticas. Nos referimos a que… técnicamente hacemos Pop con instrumentos electrónicos. Sin embargo, cualquiera que haya escuchado nuestro trabajo en profundidad, rápidamente encontrará un mundo de matices, oscuridad, elaboración, dinámicas y texturas que va mucho más allá de los clichés tradicionales de este estilo en cuestión. Eso por la parte musical. En lo que a lírica se refiere, hemos empapado nuestras canciones de esa retranca gallega que nos columpia constantemente entre la tragedia y la comedia.
3-Al principio algunos medios os etiquetaron como “dúo de Dream Pop”, algo así como los Beach House españoles…
Bueno, cada uno debe compararnos con lo que conoce y con lo que de forma subjetiva le parece afín. Respetamos al máximo todas las comparaciones y, desde luego, hemos mamado mucho más de Beach House que de cualquier grupo español. Tal vez en canciones como “Autismo Contigo” sí que sea palpable esa etiqueta Dream que nos comentas. Pero… ¿quiénes somos nosotros para decirte con quién nos debes comparar?
4- A pesar de vuestra juventud, la experiencia profesional que lleváis a vuestras espaldases inmensa. Tarci, dices tener en la mochila más de 1000 conciertos como músico…
Y Nacho también lleva unos cuantos cientos siendo más joven. El haber trabajado como músico profesional y en el mundo de la didáctica nos ha expuesto bastante al público. Por ejemplo, formar parte de la banda de un musical significa tocar 7 días a la semana…
Pero bueno, ahora somos muy francotiradores y cada concierto está concienzudamente calculado y dosificado.
5-Hablando de conciertos, nos cuentan que los vuestros no dejan indiferente a nadie. La música, las luces, las imágenes (creadas de forma artesanal) van en la misma vía, se les da la misma importancia. ¿Hoy en día es fundamental dar un paso más, además del meramente musical, para hacer atractiva la oferta, tan amplia ya, de espectáculos?
El mejor concierto que vimos en nuestras vidas fue Nine Inch Nails en Paredes de Coura (Portugal) y esa gira fue la más sobria en cuanto a parafernalia y músicos. Es decir, iban con la formación de músicos más reducida de su historia, sin visuales y con iluminación blanca de forma casi exclusiva. Y fue IMPRESIONANTE. No creemos que sea necesario. Nosotros hemos añadido esos elementos de forma vocacional y cada uno puede darles la importancia que quiera (en nuestro caso prácticamente inseparable de la música) . Incluso este lunes presentaremos el primero de los 4 vídeos tutoriales que formarán parte de nuestro proyecto “Palabras Presumidas”. En este caso enseñaremos al mundo cómo hemos construido un set de luces artesano totalmente sincronizado con la música para que cualquiera lo pueda hacer en su casa.
6-¿Se puede ser original, o creérselo, en 2017?
Presumido somos originales y genuinos. No lo decimos nosotros sino el público, la crítica… Otra cosa es que te gustemos o no. Pero también nos atreveríamos a decir que te acabaremos gustando tarde o temprano. jajaja.
7-No voy a preguntar de dónde viene el nombre de Presumido pero sí deciros que me parece uno de los más originales y acertados de los últimos años…
Somos conscientes de que es uno de esos nombres que no deja indiferente a nadie. A algunas personas les gusta mucho. A otras les hace sangrar el oído y los ojos. En cualquier caso, es un proyecto en el que nos reinventamos cada día aprendiendo cosas nuevas y aplicándolas al servicio de la banda (un buen ejemplo el sistema de luces y visuales, de lo que no teníamos ni remota idea antes de empezar con esto… o la batería electroacústica que lleva Nacho, también diseñada por nosotros). Todo trabajo bien hecho que conlleve un crecimiento personal y/o profesional debe ser defendido con mucho orgullo.
8-¿Con qué banda nacional compartiríais cartel, hoy en día?
La respuesta es difícil porque ninguno de los dos nos sentimos identificados con ninguna banda española. Así que podríamos decirte simplemente bandas que nos caen bien como Eladio y Los Seres Queridos o Viva Suecia…
9- Cómo surge la colaboración con uno de los iluminadores más importantes de este país, Baltasar Patiño?
Baltasar Patiño es un ser humano excepcional. Junto a su mujer, Ana Vallés, llevan capitaneando 30 años (que se dice pronto) la compañía Matarile Teatro, uno de los máximos referentes en las artes escénicas de este país. Además, como bien dices, Baltasar es un escenógrafo e iluminador de lo mejorcito. Vino a vernos hace un año a un concierto que dimos en Santiago y se quedó totalmente enamorado del proyecto. De hecho al acabar nos dijo: “Quiero diseñar para vosotros, pero partiendo de lo que ya traéis de casa, que me encanta”. Nuestra relación de colaboración llegó a un punto precioso hace unas semanas, cuando nos invitó a cerrar su proyecto “saLa Montiel” (un espacio de intervención artística in-permanente que abrió y gestionó con la idea de que sólo existiese durante 3 meses programando todos los días). Para esa ocasión diseñamos algo precioso, nuestro espectáculo “¡Silencio, Bombillas!”: un concierto silencioso en el que todo el mundo podía disfrutar del concierto recorriendo el espacio y escuchando en todo momento nuestra música en directo a través de unos auriculares inalámbricos con una calidad de sonido excepcional. Todo esto aderezado con la iluminación y diseño escénico de Baltasar. Fue una pasada, de hecho agotamos las entradas en 3 días.
10-¿Qué os parecen los últimos discos de alguno de vuestros artistas de referencia: Depeche Mode, Erasure o Björk?
Pues de los que mencionas, nos quedamos con el de Bjork. Vemos que se están diciendo cosas muy duras sobre ese trabajo pero a nosotros nos encanta. Somos muy fans de Arca, el joven genio detrás de este disco y siempre ha hecho muy buen equipo con la Islandesa. Los vemos a diario chuparse las pollitas en redes sociales y eso, creo que es señal de que ellos están muy contentos con el trabajo. Son dos personas extremadamente sensibles y a veces su forma de de transmitirlo no es fácil de entender. Pero no hay que ser ningún entendido, erudito ni nada así, sino intentar acercarnos a ellos con mucho cariño y la mentalidad muy abierta.
Este “demonio de Tasmania” es uno de nuestros locos favoritos, de nuestros artistas preferidos porque tiene ese punto que mezcla talento, dulzura, la mencionada locura y una humildad que traspasa cualquier manifestación musical y que antepone la persona al ego de la estrella. Estrella que se niega a brillar, o a la que le da igual, y de la que esperamos un álbum que de momento no llega. No tiene prisa. Bolmer es un conocido músico y remezclador que ha trabajado para proyectos como Salvador Tóxico,Conmutadores, Electronikboy, Yogurinha Borova o Algora y que, de vez en cuando, sube a sus dominios un tema propio. Es el caso de esta maravillosa versión de uno de los hits de Mina, grabado originalmente en 1960 y con una trayectoria de versiones interminable.
La última conocida, por mí, es esta que nos ocupa y en la que el músico le da al clásico una pátina de delicada y bailable electrónica que unida a la voz de Valeria Vitale nos emocionó y mucho. Dejé de contar las veces que esta canción sonó en mis objetos reproductores. Pasó desapercibida, sí, pero no para un buen número de seguidores que descubrimos a Mina y a Bolmer.
Las melodías guitarreras de este proyecto argentino de ¿indie-noise-rock? nos han llamado poderosamente la atención. Ya conocíamos de su existencia a través de amigos que hablan maravillas de este grupo, también por la cacareada reivindicación de una de las concursantes del nuevo OT, aún así no les había prestado atención hasta el momento. Este pasado fin de semana se ha producido el milagro y aquí ando delirando por temazos como este que nos ocupa. “Ahora imagino cosas” es una fiebre de poco más de dos minutos, de calado profundo y de poso a rock oscuro. Una de las canciones destacadas del álbum “La síntesis O’Konor” que ahora se reedita junto a dos extras: “El tesoro” en versión acústica y un tema inédito de título, “La casa fantasmal”. Se van a poner de moda…están de moda a pesar de llevar casi diez años en escena.
