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Presumido:”Vimos peligrar el proyecto y dijimos ¡NO!”

“Cuando nos pasó esto, se pusieron en contacto con nosotros varias bandas y ex-bandas de algunos de los más míticos “sellos independientes” de este país para contarnos que habían pasado por lo mismo y que, entre la desmotivación y la incapacidad para pagar su libertad, dejaron que se muriesen sus proyectos”

Ellos dos han demostrado que por muchas trabas que te ponga la vida, la ilusión de seguir hace que te empeñes hasta las cejas. Que te desnudes. Han acaparado portadas—decenas—en otros tantos medios importantes de este país y todo por querer ser libres apara poder seguir creciendo y demostrando que son uno de los proyectos musicales más atractivos del momento. Su pop para soñar, su—a veces—inquina emocional y su imagen nos tienen enamorados. “Vendetta” fue su carta de presentación y quieren  seguir repartiendo pizzas ‘Cuatro Estaciones’. Su nuevo disco parece no alejarse de esa socarronería tan personal. Cuatro epe’s, como cuatro estaciones, de títulos: “Invierno”, “Primavera”, Verano” y “Otoño” que serán servidos en cajas de pizza. Al menos eso estamos entreviendo en sus redes. Hemos querido conocer detalles de esta epopeya que les llevó a quedarse sin instrumentos para poder pagar su libertad de una compañía que parece ser no entendía su propuesta. La respuesta de los fans ha sido inmediata. Así se vivió:

-Habéis tenido que comprar vuestra Libertad. Tan duro como real, en pleno Siglo XXI ¿Qué parte de vuestro trabajo sesgaba la compañía?

Sus intereses chocaban con los nuestros, la mayor parte de nuestras propuestas caían en saco roto y cuando intentábamos solucionar los problemas, la comunicación no era nada fluida… Todo esto nos provocó una sensación de angustia que estaba poniendo en serio peligro al proyecto.

-¿Se entiende que compañías tan pequeñas y, supuestamente, en pro de ayudar al artista también “pequeño”, utilicen estas artimañas tan de los 80, 90?

Cuando nos pasó esto, se pusieron en contacto con nosotros varias bandas y ex-bandas de algunos de los más míticos “sellos independientes” de este país para contarnos que habían pasado por lo mismo y que, entre la desmotivación y la incapacidad para pagar su libertad, dejaron que se muriesen sus proyectos. Muchas bandas que de cara a la galería van muy bien, de repente desaparecen de un día para otro ¿Nunca os habéis preguntado por qué?

La realidad es que no existen compañías pequeñas y grandes, solo compañías, a secas.

-También cabe pensar que vuestra proyección es inmensa y dejaros escapar es una locura…

Una vez escuchamos a un gran artista mexicano decir “encuentras a tu equipo después de trabajar con toda la gente que no es tu equipo”. Una banda no se puede proyectar hacia ningún lado si no está a gusto con la gente que trabaja.

-¿Cómo ha sido el proceso que os ha llevado a empeñar los instrumentos?

Estábamos asumiendo todos los costes del nuevo disco (producción, grabación, videoclip…) y encima teníamos que pagar por quedar libres… Así que dijimos: “tenemos que acabar el disco y pagar la libertad, sí o sí ¿Pero de dónde cojones lo sacamos el dinero?” Nos habíamos gastado toda nuestra pasta en el nuevo material y la opción de un crédito era inviable porque ya estábamos pagando otro. Así que, decidimos empeñar los únicos objetos de valor que teníamos, nuestros instrumentos. Con el dinero del empeño pagamos nuestra libertad.

Una vez libres, contamos la aventura a nuestros fans, que no dudaron en ayudarnos económicamente (y anímicamente) a recuperar nuestros instrumentos en un tiempo récord: poco más de dos semanas.

-Y la respuesta del público  os ha metido una inyección de speed en vena, ¿no?

Fue una pasada. La respuesta del público fue abrumadora. Pero incluso gente no seguidora, como algún ex-deportista olímpico conmovido por la historia, decidió apoyarnos. Nos ha quedado claro que la solidaridad sigue ahí, dentro de las personas, en cantidades industriales. Solamente hay que tocar la tecla adecuada.

Nuestro sentimiento de agradecimiento es infinito.

-A nivel promoción esta “estrategia” os ha servido de mucho. Estáis en todos los medios…

La situación nos ha dejado económicamente “a pre”, sin la posibilidad de pagar una promo para el nuevo disco. Así que, de alguna forma, hemos conseguido darle un poco de bombo al nuevo trabajo y preparar el terreno con toda esta presencia en medios que ha tenido nuestra epopeya.

-¿Este mal trago repercutirá en el resultado final del disco, o ya estaba acabado?

Por supuesto que repercutirá. Pero positivamente.

Toda esta situación nos pilló en medio de la grabación y tuvimos que parar. Pero hemos conseguido convertir la adversidad en oportunidad, ya que hemos pensado “oye, ¿y si sacamos un EP con las canciones que tenemos ya grabadas?”. Y de esa idea, salió la siguiente: sacar el disco dividido en 4 EPs, de forma que podremos acabar cada uno de ellos mientras sacamos y rodamos el anterior.

-¿Nos podéis adelantar algo del mismo? De los cuatro ep’s?

Se llamarán “Invierno”, “Primavera”, “Verano” y “Otoño” y juntos formarán un LP: Cuatro Estaciones.
Es un disco mucho más intenso, electrónico y quizás homogéneo que “Vendetta”. Suena tremendamente internacional y nos morimos de ganas por compartirlo.
La mejor noticia es que en cuestión de días ya podréis empezar a conocerlo.

-¿Por qué sois tan preciosos?
La belleza está en la mirada, no en lo que se mira. Estamos seguros de que nos somos tan “bonitos” para todo el mundo… jajajaja.

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Un fuerte abrazo y un millón de gracias por estar siempre al pie del cañón presumido.

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Un electro-sueño que se hace realidad. Entrevista a BUISAN y Javier León

De pensar que la música había muerto para él, a involucrarse en la grabación de, al menos, cuatro discos en este 2018Buisan es un dúo argentino que se conforma, como tal, en los primeros años 90. El sueño adolescente de unos chicos que amaban la música electrónica, por encima de todo. Nombres como los de Mike Oldfield, Depeche Mode, Jean-Michel Jarre o Nacho Cano formaban parte del ideario musical de esta banda de efímera trayectoria pero cuya pasión ha seguido intacta a lo largo de los años. Tanto es así que después de 26 años el proyecto se retoma con fuerza, sin pretensiones pero con la idea de hacer un trabajo serio y profesional. Para ello han contando con el productor Javier León que produce, arregla e incluso canta alguna de las piezas de este primer trabajo, Agente 99.

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Enrique Angel Buisan & Christian Martínez Buisan son la base de esta locura maravillosa. De un proyecto virtual que viene a demostrar que quien quiere, puede y que los sueños no hay que dejarlos olvidados en cajones. Hay que mostrar con humildad y con la pasión que requiere.

Así nos hablaba Christian de los inicios: “Nos reuníamos en la habitación de mi primo con teclados, casi prehistóricos. Con el teclado y la computadora de Enrique fuimos perfilando las primeras canciones, todas instrumentales. Estamos hablando de edades que no superaban los 15 años y no teníamos mucha idea de cómo hacer música. Hasta bien entrados en la treintena todo lo hacíamos de oído. Hacíamos versiones de The Beatles o Abba y mucho ruido (risas)”

Una primera etapa en la que llegaron a producir unas 25 canciones, la mayoría de ellas verán la luz en estos próximos meses como continuación del recién editado “Agente 99”.

Continúa Christian:  “Lo dejamos la primera vez por circunstancias personales: por amor y trabajo. Nos quedamos sin cantante y sin letrísta así que se quedó todo ahí, sobre el 97. Entonces se produjo un intermedio que nos llevó hasta el año 1999 cuando conocimos a un cantante con el que grabamos una demo, una balada que a mí, personalmente, no me gusta mucho y que espero nunca vea la luz (risas). En cualquier caso ahí iniciamos otra etapa como “Suburbia” y ya como cuarteto, pero en 2001 volvimos a parar por las mismas circunstancias; amor y trabajo”.

Y nos venimos a 2017 donde entra en escena el productor Javier León. Un prolífico músico, productor y cantante que se lleva a su terreno, respetando el concepto original, las canciones de Buisan. Según Christian: “la vida nos junta por casualidad, aquí en Madrid. Él no sabía que yo era músico pero sí que me enteré de que él trabajaba en producciones de distintos artistas así que comenzamos a trabajar en una canción que luego se fue convirtiendo en un EP para terminar con un disco completo”.

Al que seguirán otros tres, como mínimo. Para Javier León la experiencia le ha servido para volver a subirse a los escenarios, como así nos relataba: “Ha sido un trabajo muy escalonado. La idea fue la de grabar una sola canción, como un juego muy serio, eso sí. La experiencia fue tan buena que nos ilusionamos desde ambas partes, de tal manera que poco a poco se fue conformando este “Agente 99”. En principio les propuse abordar un proyecto al estilo de Nacho Cano en solitario, echando mano de distintas voces para las canciones cantadas y hacer un álbum mitad instrumental, mitad cantado. Sin embargo cuando escucharon las demos con mi voz decidieron que fuese yo la voz principal del proyecto y ahí me he quedado. En principio grabaremos una trilogía, rescatando todas esas canciones “noventeras” y para más adelante ya se plantea un disco con sonido más actual, un Buisan 2018″.

Y es que es esa una de las características que más llaman la atención de este disco que nos retrotrae a aquella época en la que los sintetizadores se endurecieron para dar paso a una electrónica más oscura, como nos decía Javier: “El single “Veneno” representa perfectamente eso de lo que hemos hablado: echar mano del sonido primigenio y mejorarlo sin perder la ensencia. Muchos de los teclados de “Agente 99” son los originales, tocados por Christian.

“Y nosotros confiamos ciegamente en él-continúa Christian- tiene carta de libertad para adentrarse en lo que le de la gana. Nos gustaría hacer un disco, el de canciones nuevas, cercano a bandas como Conmutadores, un disco que estoy devorando últimamente y que me ha obsesionado mucho, lo escucho compulsivamente. Nos gusta mucho el trabajo de Javier León y su entorno, los grupos en los que milita como Salvador Tóxico“.

Javier León está en pleno proceso de producción del futuro disco de Capitán Sunrise, lo que demuestra su versatilidad.

Para ambos esto ha sido un sueño: “como llegar a la luna”, según Christian. Para León el hecho de volver a subirse a un escenario le ha dado un subidón tremendo: “desde el año 93, como Simón Templar y de la mano de Servando Carballar, no me había subido a cantar a un escenario y eso me ha hecho disfrutar mucho. El pasado sábado cantaba alguna de las canciones de Buisan en la fiesta ESPÍRITU 80 en Madrid”.

Escucha su álbum al completo:

 

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Teenage: “El pop electrónico está infravalorado“ Entrevista

A la ciclogénesis, pop. Al mal tiempo, color. A la tormenta, el arco iris. Este arco iris, por ejemplo. Popmodernísmo es el título de este nuevo trabajo para un músico inquieto pero que se toma con calma su carrera. Electricidad en el trato cercano pero tranquilo y pausado a la hora de abordar el trabajo arduo que supone grabar un disco, el disco con el que has soñado, por supuesto. Se lo come y se lo guisa solo y tiene el don de saber rodearse de amigos y de que éstos acudan a la llamada sin pensarlo. El disco rezuma pop vitalista y clásico noventero, en su mayoría, sin dejar de mirar al presente. Canciones bailables y “llorables” por supuesto porque la música disco también se llora, puede contar cosas “terribles”si se lo propone y aquí Teenage (Juan Hernando) se desenvuelve como pez en el agua clara del electropop colorista. Si a su talento le unimos el de Javier Castellanos (Salvador Tóxico), Inés Glossie, Rafa Spunky, entre otros muchos,m el resultado solo puede ser positivo. Hablamos con él y de él, de su música, sus referencias y sus metas…

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1. ¿Es PopModernísmo una declaración de intenciones a favor del pop, puro y duro? 

¡Totalmente! Fue una idea que surgió cuando estaba grabando el disco. Soy un apasionado de la cultura pop en general y escucho de todo: artistas/grupos comerciales, bandas independientes e incluso underground (de esas que no conoce nadie jajaja…). La base de este disco es precisamente esa falta de prejuicios. Cuando me puse a pensar en un nombre surgió la palabra “Postmodernismo”; me sentía identificado con el movimiento artístico y me gustaba una frase del mismo: “la estética por la estética”. Si llevásemos esto a la música pop, sería algo parecido a: “el pop por el pop”. ¡El concepto me encajaba a la perfección! Pero la magia de la mutación a: “Popmodernismo” fue obra y gracia de Javier León, un amigo que me lo dijo “en plan broma” en plenas fiestas de la Latina jajaja.

2. Entre tanta banda festivalera, tanto mensaje cortavenas, tanto reguetón, trap…¿es necesario volver a la música colorista y desprejuiciada? 

Pienso que sí. A mi me entristece mucho que el pop electrónico esté tan infravalorado en España. Quitando a varios artistas consagrados, no hay mucho espacio para nuevas propuestas y se nos presta muy poca atención… Tal y como está el mundo en la actualidad, cuando salimos de fiesta buscamos evadirnos, bailar y pasarlo bien. ¿Me equivoco? Por eso no logro entender del todo este asunto; más que nada porque escuchamos un montón de pop electrónico “de fuera”.

3. ¿Qué tanto por ciento, musicalmente hablando, podemos encontrar en tu disco de las últimas cinco décadas? 

Un 10% de los 70’s, un 25% de los 80’s, un 40% de los 90’s y un 25% de los 00’s.

4. El álbum ha tenido un parto largo (no sé si duro) pero la espera ha merecido la pena e imagino que para ti el resultado…

Tardé mucho en sacarlo a la luz por falta de tiempo… Desde el principio tuve muy claro que quería que sonase potente, que todo estuviese relacionado (estéticamente hablando), etc. Esto a veces jugó en mi contra porque Teenage es un proyecto 100% Do It Yourself. Yo mismo me encargo de todo, así que te puedes hacer una idea de lo gratificante y doloroso (a partes iguales) que ha sido el parto jajaja. Había días que lo único que quería hacer era abrir la ventana, tirarlo todo y olvidarme pero… Había tantas horas de trabajo detrás, que sentía que tenía que hacer el esfuerzo y bueno, aquí está el resultado.

 

5. ¿Cómo llegas a colaborar con tantos artistas? ¿Lo tenías previsto así? 

Inicialmente no era algo que tuviese en mente. Surgió a raíz de la colaboración que hice con Keunam para Batallas Navales. Me divertí mucho y me gustó tanto el resultado que, de repente, se me ocurrió que sería genial contar con una colaboración única en cada canción. ¡Me vine arriba en plan David Guetta! (aunque alguien me hizo la broma del “Papito” de Miguel Bosé jajaja…). Empecé a comentárselo a otros amigos y artistas y me llevé una grata sorpresa: ¡Nadie me decía que no!. Por supuesto, esto complicó y ralentizo el proceso de grabación porque tuve que regrabar algunas canciones enteras (había que ajustar el tono de algunos temas para que la tesitura de ambos encajase). La única canción que se quedó tal y como estaba fue “Rompecabezas”, el tema que abre el álbum. Es tan personal y estaba tan orgulloso que decidí dejarlo tal cual lo grabé, por eso no tiene colaboración.

6. Vimos a muchos de esos artistas acompañarte en el primer directo. Cuéntanos como fue…

Me habría encantado que hubiesen estado los 9 pero ya me pareció un logro contar con la mitad… ¡Fue un regalo tenerles a mi lado cantando! Son personas a las que admiro y respeto mucho. Era consciente de lo complicado que resulta cuadrar agendas, así que estoy más que satisfecho. A ver si para el siguiente concierto consigo arrastrar al resto…

7. ¿Mientras compoñias las canciones, así de primeras, te venían a la mente los posibles colaboradores? ¿Cómo seleccionaste la canción y el cantante que mejor encajaba con ella? 

Realmente no, fue algo que se me fue ocurriendo según las iba grabando. Es cierto que había momentos en los que imaginaba a alguien cantándola, entonces me animaba y le escribía a ver si me decía que sí… ¡Y siempre me decían que sí! De hecho, estoy asombrado porque hay un montón de trabajo y esfuerzo detrás de cada canción. Algunos de ellos hicieron cosas tremendas… Rafa Spunky, por ejemplo, grabó un montón de armonías para el estribillo de “Tu peor pesadilla” (cuando le di al play por primera vez flipé en colores). O mi amigo Galder que, como no conseguía un ambiente seco para grabar “Disco Zombies”, acabó montándose el estudio en el coche y grabó ahí (tengo una foto para la posteridad jajaja). ¡Tengo un montón de anécdotas! De hecho, si todo marcha bien, a lo largo del 2018 iré haciendo una serie de vídeos hablando de cada canción del álbum, porque da mucho de sí jeje.

8. ¿Qué crees que puedes aportar a un panorama musical tan rico en proyectos y tan a la mano pero con una industria ciega? 

Yo creo que puedo aportar mucho. Hay pocos grupos o artistas que desarrollen este estilo y pienso que a la gente le gusta bailar pero… Es cierto que hace falta llegar a más personas y, desgraciadamente, ese proceso es el más complicado y se ha convertido en una sensación realmente frustrante.

9. ¿Seguirás haciendo discos a pesar de las dificultades? 

La verdad es que me gustaría, aunque no serían muy seguidos. Aún tengo mucho trabajo por delante con el disco (moverlo, etc.). Espero poder regresar pronto a los escenarios.

10.  ¿Te sientes identificado con lo que escribes? ¿Escribes por y para ti? 

Principalmente en mi; reconozco que partir de uno mismo es más sencillo pero también hay más verdad en lo que cuentas. Al final todos pasamos por lo mismo y nos sentimos identificados con mucha facilidad; también es cierto que en otras ocasiones parto de ideas, algunas veces bastante disparatadas… Me gusta mucho el arte, la literatura, el cine… ¡La inspiración me viene de distintas direcciones!

11. Una canción de toda la vida…

¿Sólo puedo decir una? Me resulta imposible… ¡Tengo demasiadas! Reconozco que siempre voy por épocas; hay canciones que llegan para quedarse y hay una que desde que llegó no me canso de escuchar: “Runaway” de Electric Youth.

12. Una banda, artista, de toda la vida…

Bis. Es un trío de Glasgow (Escocia) muy poco conocido. Crecí escuchándoles y fueron mi principal motivación cuando empecé a componer hace ya unos cuantos años… ¡Les debo mucho!

13. Canciones que te hacen llorar…bailando

“Dancing on my own” de Robyn o “There is still hope” de The Sound of Arrows.

14. Canción de la que está loco por hacer un cover…

Hay una canción que me gustaría versionear: “Retorciendo palabras” de Fangoria. La letra me gusta un montón. Igual, en un futuro lejano, me animo…

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La tragicomedia gallega de Presumido (Entrevista)

Si hay un proyecto que nos haya llamado la atención, en este 2017, es este. “Vendetta” es el título de la puesta de largo del dúo gallego y uno de los discos más originales de los últimos años. Mezclan el pop melódico con la electrónica más oscura y una lírica que rezuma mala leche al más puro estilo gótico-new wave.  Tarci Ávila y Nacho Dafonte ya llevan, musicalmente hablando, muchas páginas escritas, a pesar de su corta edad. Se definen como unos Depeche Mode en castellano pasados de rosca… Hay quien les ha colgado la etiqueta de los Beach House españoles (algo por lo que apuesto más) pero lejos de esos parámetros estilísticos y las odiosas comparaciones ellos han venido a refrescar un panorama musical patrio falto de ideas, con muchas propuestas, sí, pero demasiado parecidas unas de otras. Ellos tienen imagen, algo que se ha descuidado desde hace muchos años en nuestra música, tienen talento, son músicos, creativos, modernos y con unas letras dignas de estudio porque son capaces de decir cosas muy duras de una forma delicada. Hablamos con ellos y esto nos cuentan.

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1- ¿El Synthpop está de moda? O mejor dicho ¿es buen momento para reivindicarlo?

Hace ya unos 4 años que en E.E.U.U este estilo colonizó de nuevo toda la escena underground y, como siempre, esas tendencias tardan unos 5 años en llegar a España. Nosotros ya empezamos a palparlo… Y sí, nos parece un buen momento para refrescar un paisaje musical lleno de guitarras. Nos atreveríamos a decir que es sano y necesario.

2- ¿Qué creéis que aportáis de bueno y de nuevo al género?

Pues debemos matizar que nos hemos auto colgado la etiqueta SynthPop más por cuestiones técnicas que estilísticas. Nos referimos a que… técnicamente hacemos Pop con instrumentos electrónicos. Sin embargo, cualquiera que haya escuchado nuestro trabajo en profundidad, rápidamente encontrará un mundo de matices, oscuridad, elaboración, dinámicas y texturas que va mucho más allá de los clichés tradicionales de este estilo en cuestión. Eso por la parte musical. En lo que a lírica se refiere, hemos empapado nuestras canciones de esa retranca gallega que nos columpia constantemente entre la tragedia y la comedia.

3-Al principio algunos medios os etiquetaron como “dúo de Dream Pop”, algo así como los Beach House españoles…

Bueno, cada uno debe compararnos con lo que conoce y con lo que de forma subjetiva le parece afín. Respetamos al máximo todas las comparaciones y, desde luego, hemos mamado mucho más de Beach House que de cualquier grupo español. Tal vez en canciones como “Autismo Contigo” sí que sea palpable esa etiqueta Dream que nos comentas. Pero… ¿quiénes somos nosotros para decirte con quién nos debes comparar?

4- A pesar de vuestra juventud, la experiencia profesional que lleváis a vuestras espaldas es inmensa. Tarci, dices tener en la mochila más de 1000 conciertos como músico…

Y Nacho también lleva unos cuantos cientos siendo más joven. El haber trabajado como músico profesional y en el mundo de la didáctica nos ha expuesto bastante al público. Por ejemplo, formar parte de la banda de un musical significa tocar 7 días a la semana…
Pero bueno, ahora somos muy francotiradores y cada concierto está concienzudamente calculado y dosificado.

5-Hablando de conciertos, nos cuentan que los vuestros no dejan indiferente a nadie. La música, las luces, las imágenes (creadas de forma artesanal) van en la misma vía, se les da la misma importancia. ¿Hoy en día es fundamental dar un paso más, además del meramente musical, para hacer atractiva la oferta, tan amplia ya, de espectáculos? 

El mejor concierto que vimos en nuestras vidas fue Nine Inch Nails en Paredes de Coura (Portugal) y esa gira fue la más sobria en cuanto a parafernalia y músicos. Es decir, iban con la formación de músicos más reducida de su historia, sin visuales y con iluminación blanca de forma casi exclusiva. Y fue IMPRESIONANTE. No creemos que sea necesario. Nosotros hemos añadido esos elementos de forma vocacional y cada uno puede darles la importancia que quiera (en nuestro caso prácticamente inseparable de la música) . Incluso este lunes presentaremos el primero de los 4 vídeos tutoriales que formarán parte de nuestro proyecto “Palabras Presumidas”. En este caso enseñaremos al mundo cómo hemos construido un set de luces artesano totalmente sincronizado con la música para que cualquiera lo pueda hacer en su casa.

6-¿Se puede ser original, o creérselo, en 2017? 

Presumido somos originales y genuinos. No lo decimos nosotros sino el público, la crítica… Otra cosa es que te gustemos o no. Pero también nos atreveríamos a decir que te acabaremos gustando tarde o temprano. jajaja.

7-No voy a preguntar de dónde viene el nombre de Presumido pero sí deciros que me parece uno de los más originales y acertados de los últimos años…

Somos conscientes de que es uno de esos nombres que no deja indiferente a nadie. A algunas personas les gusta mucho. A otras les hace sangrar el oído y los ojos. En cualquier caso, es un proyecto en el que nos reinventamos cada día aprendiendo cosas nuevas y aplicándolas al servicio de la banda (un buen ejemplo el sistema de luces y visuales, de lo que no teníamos ni remota idea antes de empezar con esto… o la batería electroacústica que lleva Nacho, también diseñada por nosotros). Todo trabajo bien hecho que conlleve un crecimiento personal y/o profesional debe ser defendido con mucho orgullo.

8-¿Con qué banda nacional compartiríais cartel, hoy en día? 

La respuesta es difícil porque ninguno de los dos nos sentimos identificados con ninguna banda española. Así que podríamos decirte simplemente bandas que nos caen bien como Eladio y Los Seres Queridos o Viva Suecia…

9- Cómo surge la colaboración con uno de los iluminadores más importantes de este país, Baltasar Patiño? 

Baltasar Patiño es un ser humano excepcional. Junto a su mujer, Ana Vallés, llevan capitaneando 30 años (que se dice pronto) la compañía Matarile Teatro, uno de los máximos referentes en las artes escénicas de este país. Además, como bien dices, Baltasar es un escenógrafo e iluminador de lo mejorcito. Vino a vernos hace un año a un concierto que dimos en Santiago y se quedó totalmente enamorado del proyecto. De hecho al acabar nos dijo: “Quiero diseñar para vosotros, pero partiendo de lo que ya traéis de casa, que me encanta”. Nuestra relación de colaboración llegó a un punto precioso hace unas semanas, cuando nos invitó a cerrar su proyecto “saLa Montiel” (un espacio de intervención artística in-permanente que abrió y gestionó con la idea de que sólo existiese durante 3 meses programando todos los días). Para esa ocasión diseñamos algo precioso, nuestro espectáculo “¡Silencio, Bombillas!”: un concierto silencioso en el que todo el mundo podía disfrutar del concierto recorriendo el espacio y escuchando en todo momento nuestra música en directo a través de unos auriculares inalámbricos con una calidad de sonido excepcional. Todo esto aderezado con la iluminación y diseño escénico de Baltasar. Fue una pasada, de hecho agotamos las entradas en 3 días.

10-¿Qué os parecen los últimos discos de alguno de vuestros artistas de referencia: Depeche Mode, Erasure o Björk?

Pues de los que mencionas, nos quedamos con el de Bjork. Vemos que se están diciendo cosas muy duras sobre ese trabajo pero a nosotros nos encanta. Somos muy fans de Arca, el joven genio detrás de este disco y siempre ha hecho muy buen equipo con la Islandesa. Los vemos a diario chuparse las pollitas en redes sociales y eso, creo que es señal de que ellos están muy contentos con el trabajo. Son dos personas extremadamente sensibles y a veces su forma de de transmitirlo no es fácil de entender. Pero no hay que ser ningún entendido, erudito ni nada así, sino intentar acercarnos a ellos con mucho cariño y la mentalidad muy abierta.

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Entrevista a La Bien Querida: “Guitarra, bolígrafo, papel y David”

“Fuego” es una alacena llena de viandas pop. Cada una de ellas de su padre y su madre. Canciones concebidas individualmente que, lo mismo, te asaltan por rumbas, cumbias, electrónica new order (marca de la casa) o baladas pop de orquesta y de bellísima factura. La Bien Querida es ese ejemplo mágico que hace bueno el dicho aquel: “para emocionar no es necesario cantar con un vibrato huracanado, y como si no hubiera mañana”. Ana Fernández-Villaverde no canta y lo sabe, pero escribe canciones preciosas y también lo sabe, tanto ella como su partenaire, David Rodríguez, y una legión de fans que crece y crece con cada disco. Con este último elepé aseguran no haber tocado techo lo que nos alegra sobremanera ya que siguen aportando frescura pop, de voz delicada, a un panorama musical muy rico en propuestas pero algo anquilosado en proyectos, calcados unos de otros. Ana escribe al amor y sus consecuencias y David viste las canciones sin mirar de reojo; las diferencia y nos demuestra que es uno de los productores nacionales más en forma. Hoy hablamos con ella; con la voz de hoja de té en un bosque lleno de zapatos, cuadros, discos, un taladro…  

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Pregunta: ¿Cómo os planteáis un álbum tan heterogéneo (Fuego) tras la conceptual trilogía (Premeditación, Nocturnidad y Alevosía)? 

Respuesta: Antes de empezar a trabajar siempre intento sorprender y que el disco nuevo no tenga demasiado que ver con el anterior. Quizá sea un poco tontería pero me lo planteo así para no aburrirme de la música, creo. En este teníamos claro que había que abrirse un poco a otras músicas, aunque sea como divertimiento.

¿Reunir en un mismo disco una rumba, una cumbia, una balada orquestada o la electrónica, no es cosa baladí. De eso solo Mecano eran capaces…

R: Mecano son palabras mayores… No sé si es bueno pero David, creo, acaba pensando últimamente más las canciones individualmente y trabaja menos los discos conceptualmente, como hicimos en “Ceremonia” y “Romancero”.  Será eso.

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Háblanos del proceso de creación, del porqué de colaboraciones tan especiales

R: Yo hago las canciones a guitarra, bolígrafo y papel, en la cocina de mi casa, y David las produce y arregla. Seguimos funcionando igual. El método no ha cambiado.

Respecto a las colaboraciones, siempre quise hacer un dueto con J en un disco mío y creo que ahora era el momento porque, si lo hubiera hecho al principio, la gente habría pensado aún más que me estaba aprovechando de su nombre. Y a Joan Miquel Oliver, que es otro genio, le propusimos que hiciera un rap al final de “7 días juntos” porque lo admiro muchísimo Las demás colaboraciones son todo amigos.

¿Es “Fuego” un disco “popcostumbrista”? 

Es un disco de canciones de amor. Casi todo el mundo ha estado enamorado alguna vez y, quizá por eso, casi todos nos podemos sentir reflejados cuando se habla de las sensaciones que produce el amor. Quizá por ahí venga lo del costumbrismo

Ya desde la portada vemos cierto toque fetichista. Rodeada de objetos personales que arropan a la artista. Te sientes más cómoda con la cotidianidad que con el postureo…  

¡Hay tiempo para todo!

Los pies en la tierra, el corazón en las canciones…

Ya te digo: hay tiempo para todo. A veces hay que tener la cabeza en las nubes para trabajar una canción, me meto mucho, lo vivo a tope.

¿Además de al amor en quién, o en qué,  piensas cuando te pones a componer? 

Hago canciones buscando la canción perfecta así que, supongo, que a la primera persona a la que quiero agradar es a mí misma. Aún sigo buscándola. En todas las canciones hay una parte de realidad y otra de fantasía pero este es mi reino y no diré donde acaba la fantasía y comienza la realidad.

Diez años, después de grabar tu primera maqueta ¿Qué queda de la inocencia de 2007? 

Mi manera de trabajar no ha cambiado, la verdad. Yo creo que esa inocencia sigue ahí. Si no fuera así, me costaría seguir haciendo canciones.

Echo en falta muchos más nombres femeninos en la parte superior de los carteles de festivales de relumbrón de este país ¿Los festivales son cosa de hombres? 

Un poco sí. Los festivales, sobre todo rock, son muy machos.

¿Cosa de hombres y de los mismos nombres?

¡Ja! Al final, funcionan como empresas. Y es normal que toquen muchas veces los mismos grupos si son los que más gustan. Algo estarán haciendo bien.

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Spunky: “El día que murió Bowie, murió la música”

Aprovechamos el estreno, ayer, del maravilloso remix que ha hecho el músico Teenage para “Total inferioridad” el segundo adelanto de un álbum que verá la luz el próximo mes de septiembre y del que ya conocemos dos avances. Rafa Spunky nos adelanta algunos detalles, sin hacer spoilers, de lo que será su nuevo disco, Mitología. Un elepé que, en principio, debió ser un Ep como continuación de “Mitomanía” pero que por obra y gracia de la inspiración ha acabado siendo un álbum repleto de espejos en los que vemos muchos reflejos: el rayo de Bowie, la voz púrpura de Prince, las gafas polarizadas de George Michael, el guante blanco de Michael…También hay destellos de denuncia, de hastío social, de animales con voz propia. Todo un compendio de extrañas criaturas que descubriremos en breve. Spunky nos habla de cosas muy interesantes, de manera mínima porque es solo un aperitivo de lo que descubriremos de él y con él cuando salga el disco.

¿Hasta qué punto te dolieron las muertes de Bowie, Prince o Cohen, entre otros?

Cohen nada de nada. Aún apreciando el talento que tenia como poeta sus canciones no me decían nada musicalmente. Lo de Bowie fue, literalmente, el día que la música murió, como dicen en American Pie. No me lo creía, la llorera duro varios días. Curiosamente me enteré mientras escuchaba Black Star, que me acababa de llegar. El disco no lo he podido escuchar otra vez porque me entra un agobio insoportable. Con Prince más o menos igual. Ha sido una influencia inmensa, habiendo crecido con él en los 80 y todo lo que hizo hasta mediados de los 90, que fue cuando le perdí la pista, me parece insuperable. Otro shock, ademas para cuando murió Prince ya estaban cayendo como moscas todos los grandes y yo no entendía nada. Tanto a Prince como a Bowie les sigo pinchando todos los días y la gente sigue flipando.

¿Nos quedamos sin referentes? ¿Crees que aún quedan iconos en la música que merezcan tantas lágrimas? 
Bueno a ese nivel no creo. Eran insuperables (y aún lo son). No hablo sólo de talento, estos artistas se hicieron famosos en una época muy diferente a la actual. Bowie o Prince son artistas que crecieron cuando las discográficas estaban pleno auge, cuando su concepto era totalmente distinto al de ahora, donde prima el dinero rápido y el éxito fulgurante y si no es así te dicen adiós a la primera de cambio. Antes la Industria permitía desarrollar el producto, cuidaban la producción sin importar las horas de estudio que hubiera de por medio. Había fe en el potencial del proyecto y miraban más a largo plazo, como te decía antes. Un primer fracaso no significaba el despido o la indiferencia. Se podía seguir avanzando y, en estos dos casos, la constancia, el talento y el apoyo de algunos hizo que se convirtieran en mitos. Dudo mucho que esas condiciones se vuelvan a repetir. A los que ahora están arriba solo el tiempo les pondrá en el lugar que les corresponde. Pero hoy en día hay pocos músicos, grandes cantantes y enormes productores…todo en uno.
El dolor por la pérdida de referentes y sus correspondientes homenajes los has metido en una bola de espejos de discoteca setentera. ¿El optimismo por encima de todo? 
Pues no soy especialmente optimista la verdad, será más bien que la cabra tira al monte y no me puedo alejar mucho de la bola de espejos.
¿Crees que este mundo se nos va definitivamente a la mierda? 
Se fue a la mierda hace tiempo y creo que aún no hemos visto lo peor. Me temo que seguimos inmersos en una espiral de xenofobia, corrupción, intolerancia, terrorismo, maltrato al Medio Ambiente, a los animales…Una lista muy larga de estigmas que no sanan, todo lo contrario, parece que no dejan de sangrar y sangrar…
spunky
Los animales son más racionales que el hombre ¿Estás de acuerdo conmigo? 
No sé si más racionales pero yo los prefiero desde luego. Al menos son mas nobles y sabes lo que esperar de ellos. Para mí siempre han sido una prioridad, una debilidad y no cejaré en mi lucha contra el abandono o el maltrato.
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Entrevista eléctrica: “El día que empecemos a dar conciertos a nivel ‘funcionariado’, Electronikboy habrá muerto”

Divertirse. Ser feliz y transmitirlo. No hay objetivos que cumplir más allá de esa premisa, la de disfrutar. Sin pretensiones y sin la presión de una industria herida de muerte, que ya no tiene remedio, y que no se fija en ningún producto que no sea “patrocinado” por niños y niñas bien, con bonitas voces (tampoco es necesario) y con el toque, bien remarcado, de flamenquito o reguetón. O en el lado contrario ese “indie” machacón, de grupos calcados por voces nasales y canciones que parece que compone la misma persona, para todos. Llegar ahí tiene su mérito, por supuesto, pero no hay cabida para nada que salga de esos patrones y, la verdad, eso jode mucho. Porque hay propuestas muy divertidas, otras muy profundas, proyectos muy bien estructurados que hacen música muy interesante y efectiva. Artistas con otro perfil que se ven relegados por las compañías: las pequeñas, las medianas y las grandes. Por eso hoy nos adentramos en el universo de Electronikboy, el conjunto de música electroligera, que une Sevilla con Barcelona, y que tiene como denominador común las ganas de bailar. Mist3rfly (productor, compositor), Xavi Sideboy (ARTISTA) y Hugo Ramos (percusión, programaciones y corista) nos presentan su nuevo disco, “Cortocircuito” y nos hablan de lo divino y lo humano. De lo electrónico y de lo analógico de la vida…

Estas son sus próximas citas:

1ª Pregunta: Diez años y tres discos. Mejor tomárselo con calma…

Respuesta: Bueno, si hacemos media es un disco cada tres años, ¡no está tan mal! Es cierto que desde que editamos ‘Voilà!’ en 2009 no habíamos hecho un álbum con nuevos temas, pero sí habíamos editado las remezclas de ‘Et Voilà!’, dos recopilatorios en México y Japón, y también colaborado en otros proyectos. Nunca hemos dejado de hacer canciones y conciertos, pero a un ritmo mucho más bajo del que esperaban nuestros seguidores. Siempre hemos estado dándole vueltas al nuevo disco, probando cosas nuevas, pero sin que nos acabasen de convencer, hasta que encontramos la fórmula con ‘Error Gramatical’ y decidimos seguir esa vía para ‘Cortocircuito’. Todo el trabajo intermedio lo hemos recopilado en el cd “1042, demos y otras conexiones’ porque nos daba mucha pena que quedase en los discos duros de nuestros ordenadores y nunca viese la luz. También es cierto que hemos estado saturados con otros proyectos paralelos a Electronikboy y no encontrábamos el momento de planear un álbum, una gira, un vídeo… Todo eso es mucho trabajo y sin una gran discográfica detrás es necesario dedicarle muchas horas. El título del nuevo álbum ‘Cortocircuito’ se refiere, en cierta forma, a ese periodo en el que la conexión Sevilla – Barcelona no ha funcionado. Pero por fin ¡hemos vuelto y con más ganas que nunca!

2ª ¿Habíais agotado la fórmula de escribir en francés o era una necesidad cambiar de registro? 

R: Podríamos haber estado haciendo canciones en francés durante 10 años más, pero llegó un punto en el que todo nos sonaba igual; nos daba la impresión que no estábamos innovando, que estábamos estancados. Fue a raíz de estrenar ‘Vacaciones’, cuando nos dimos cuenta de que el castellano tenía que ser el nuevo camino de Electronikboy. Habíamos grabado en japonés, en catalán, en inglés,… pero nada en castellano, así que había que probarlo. Nosotros nos sentimos más cómodos y pensamos que es la fórmula para llegar a más público. De momento no nos está funcionando nada mal. Para ‘Cortocircuito’ contamos con letristas de lujo, como Manuel Jiménez, Boris Michael, Armando Jiménez o David Rodríguez.

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3ª Una manera de evolucionar, sobre todo a nivel lírico, sin perder la esencia de Electronikboy. ¿Os daba miedo el cambio? 

R: Lo que nos daba miedo de verdad es que nuestros seguidores se hubiesen olvidado de nosotros después de tanto tiempo. El cambio de idioma es una evolución natural, pero creemos que el concepto de nuestros temas sigue siendo el mismo: canciones enfocadas a la pista baile, para ser disfrutadas en directo, con mucho trabajo de producción y que siguen sonando a Electronikboy aunque estén pensadas en castellano. No descartamos hacer nuevos temas en francés en el futuro, pero no nos gusta mirar atrás. Igual algún día nos apetece cantar en ruso y lo hacemos, lo importante es que el concepto se mantenga intacto. Cuando hemos dado conciertos en Japón, por ejemplo, o EEUU, nos hemos dado cuenta que el idioma es lo de menos, el público que venía a nuestros directos se lo pasaba igual de bien, aunque no entendiese nada de lo que decíamos. 

4ª ¿Qué os impulsa a volver a grabar? 

R: El ‘Aquí y Ahora’, jejeje. Ha ido todo tan rápido que ni nos lo hemos planteado seriamente. Sin lugar a dudas, el principal motivo ha sido que teníamos muchas ganas de pasarlo bien de nuevo, de subirnos a un escenario, juntos otra vez. Eso es fundamental para nosotros. ¿Pero por qué ahora y no hace un año o dentro de dos? Puede que necesitásemos romper con los que estábamos haciendo hace unos meses y volcar nuestra energía creativa en otros proyectos, y Electronikboy estaba ahí como una ‘tabla de salvación’ para los tres y había llegado el momento de recuperarlo ‘en serio’. Estos últimos años han sido muchos los que nos animaban a volver a grabar, a volver a dar conciertos, pero estábamos tan liados con otras cosas que no encontrábamos el momento de sentarnos y hablar. El entusiasmo de amigos, seguidores y colaboradores también ha sido crucial para nuestra vuelta.

5ª: La energía sigue intacta e imagino que las ganas de seguir haciendo más cosas ¿cuál es el calendario que os habéis marcado a corto/medio plazo? 

R: La energía sigue intacta pero ¡somos 10 años mayores! Las ganas de seguir haciendo cosas no se acabarán, siempre que nos lo pasemos bien con Electronikboy. Es la premisa, pasarlo bien. Evidentemente no podemos ganarnos la vida con esto, pero si disfrutarla, eso es básico. Es complejo marcarnos un calendario en cuanto a promoción, conciertos, singles, porque nuestro presupuesto nos impide exigir nada a todos los que colaboran con nosotros. A corto plazo, continuar con los conciertos de presentación (podéis consultar las fechas en nuestro Facebook), y terminar los extras de las diferentes ediciones de ‘Cortocircuito’ que verán la luz en México, Japón y Rusia. A medio plazo, presentar nuevos singles y seguir dando guerra con el álbum hasta que lo agotemos y empecemos a preparar el siguiente.

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6ª: ¿Sigue teniendo cabida el electropop en el panorama musical actual? Parece que resurge tímidamente pero de forma muy efectiva 

La verdad es que no nos lo planteamos, hacemos la música que nos gusta, tenga cabida para muchos o para muy pocos. No hace mucho leíamos en un blog que nos habíamos quedado anclados en el 2005, cuando el electropop estaba de moda en España y, sinceramente, nos da igual. Solo hay que mirar al resto de Europa para ver que nuestro estilo sigue gustando y que hay muchísimas bandas triunfando. En nuestro país, el concepto ‘indie’, con todas sus variantes, se ha apoderado de todos los festivales y eso no va a cambiar porque hay muchos intereses económicos detrás. Por suerte, cada cierto tiempo aparece un grupo que da visibilidad a este tipo de música, como Las Bistecs, hace un año, y siempre nos quedarán los incombustibles como Fangoria, Hidrogenesse,… que siguen dejando la puerta abierta a hacer cosas diferentes. Nacen un montón de bandas cada año, con trabajos muy interesantes, pero la repercusión es tan limitada que no permanecen en el tiempo. No creemos que haya resurgimiento, sino una moda puntual de alguna banda y poco más.

7ª:  Describidnos un concierto de EB

R: Nunca nos hemos planteado los directos como un concierto al uso. La idea es que la gente se lo pase bien, baile, cante, disfrute y se sorprenda. Intentamos, en la medida de nuestras posibilidades, que cada directo sea un espectáculo, con mucho humor y participación del público. Así ha sido durante 10 años y así seguirá siendo. El día que empecemos a dar conciertos a nivel ‘funcionariado’, Electronikboy habrá muerto.

8ª: Ediciones en Japón o México hacen de este proyecto algo que sobrepasa cualquier expectativa para un grupo/artista sin una compañía detrás. ¿Como se consigue eso? 

Pues con muchísimo trabajo y constancia. En el caso de México, Molécula Records siempre ha estado ahí desde nuestros inicios. Hacen un trabajo admirable para los tiempos que corren, dando a conocer a bandas españolas allí a través de su sello, y apostando todavía por ediciones físicas, recopilatorios y formatos innovadores. Para nosotros es un lujo poder trabajar con ellos y que exista esta conexión, ya que muchos de nuestros seguidores son de aquel país, sobre todo desde que lanzamos ‘Vacaciones’ en uno de los álbumes de Molécula. Ahora Cuatro33 ha lanzado también ‘Bratislava’ en uno de sus recopilatorios para toda Sudamérica y eso nos hace muy felices.

El caso de Japón es otra historia. Primero fuimos de gira allí, a Tokyo y Osaka, y coincidimos con varias bandas en los conciertos. De esa forma nacieron varias colaboraciones que se vieron plasmadas en temas que aparecieron en nuestros álbumes aquí y en varios álbumes allí. Una de estas bandas nos ofreció pertenecer a su discográfica ‘Aorizm Records’ y así lanzamos nuestro primer álbum allí ‘Danse!’, con temas del ‘Débuts’ y el ‘Voilà!’ y un par de temas en japonés, además de colaboraciones y duetos con Spanner, Bespa Kumamero, Gekkan Probowler,… Creo que no le hemos dado la importancia que esto tiene, nos ha parecido hasta ‘normal’ editar en Japón y que productores de allí colaboren con nosotros, pero cuanto más lo pensamos, más orgullosos estamos. Debemos ser de las pocas bandas en España que lo hayan conseguido, y aún así, prácticamente nadie nos hizo caso cuando enviamos la primera nota de prensa. Esto nos pasa con una discográfica detrás y hubiésemos tenido Electronikboy hasta en la sopa.

9ª:  Volviendo a este “Cortocircuito” ¿Qué habéis escuchado últimamente y que os haya inspirado para su creación? 

Escuchamos mucha música, siempre estamos pendientes de programas como Siglo 21 de Radio 3, o Turbo 3, en la búsqueda constante de nuevos artistas y bandas de música electrónica. Últimamente estamos escuchando lo último de Vitalic, Goldfrapp, Saint Etienne, Moby o Roosevelt. Para ‘Cortocircuito’ no hemos buscado nada nuevo, simplemente hemos mirado hacia atrás buscando influencias de bandas como Fischerspooner, Autokratz, PSB o New Order.

10ª:  Las versiones siguen siendo otro punto fuerte…

Siempre intentamos incluir una versión de un tema que nos guste o que pensemos que le podemos dar nuestro estilo y que encaja en nuestro repertorio. Para el ‘Débuts’ resucitamos el ‘Ali Shuffle’ de Camaro’s Gang que no falta en nuestros directos desde el 2007. Para el ‘Voilà!’ hicimos lo propio con el ‘Electrica Salsa’ de Off. Para diferentes homenajes y singles hemos versionado ‘Hypnotic Tango’ de My Mine, ‘Blue Monday’ de New Order, ‘I wanna be your lover’ de La Bionda, ‘Benelux’ de Ciëlo, ‘Je t’aime moi non plus’ junto a Yogurinha Borova (para la que también hemos compuesto 3 temas),… que recordemos ahora. Para ‘Cortocircuito’, en la edición Digipack, hemos incluido dos versiones ‘Solo soy una persona’ de Mecano y ‘Made in Taiwan’ de Mcnamara, si nos conocéis un poco, ya sabréis quien ha elegido cada una. Estas dos versiones desaparecerán del track list en las nuevas ediciones de ‘Cortocircuito’, así que si os gustan ¡no las dejéis escapar!

 

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