Cumpleaños y muerte de Bowie…bailando

Celebramos su cumpleaños, lloramos su muerte. Enero en el calendario de la música. Enero bajo el manto de una estrella negra que hizo desaparecer al mito como por arte de magia, la misma que tuvo toda su carrera. Su trayectoria artística fue tan impredecible como impecable, aunque no siempre. Sus experimentos en Berlín y su paso por el New Romantic dieron pie a un replanteamiento de sus inquietudes , como cantante y músico, a la vez que un bolsillo esquilmado por adicciones, rehabilitaciones, batallas judiciales y pocas ventas de discos, pedía urgentemente un álbum multiplatino.

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Éste llegó bailando en 1983 bajo la batuta de un Nile Rodgers que impuso su riff de guitarra y su movimiento funk a una pegadiza obra de arte que bajo el título de “Let´s Dance” convirtió al Duque Blanco en superventas, siendo su álbum más vendido después de más de trece años de duro trabajo, casi abandonos, puertas cerradas, espacios abiertos, glam, maquillaje, plataformas, Ziggy, Aladino…e innumerables canciones que fueron, son y serán imitadas hasta el fin de los días de este planeta del que se perdió el bueno del Mayor Tom. No es el Bowie de “China Girl” o “Modern Love” mi favorito, pero sí el que me acercó al dinosaurio para no abandonarlo jamás. Podría poner una lista con mis temas favoritos y lo que significaron en su día para mí. Podría e igual lo hago algún día pero hoy nos quedamos con esta demo que se acaba de publicar y que demuestra lo claro que tenían el concepto, productor y cantante, de un disco que era esos tres singles que hemos mencionado y poco más. Revisitado hoy el álbum es uno de los más flojos de su carrera aunque arrojara tres clásicos tan importares. Bowie es el mito viviente, el icono que sobrevive a su muerte como nadie…


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Mist3rfly revoluciona a El Imperio del Perro

El Imperio del Perro es una de esas bandas/carisma que están revolucionando el panorama musical patrio. Rock-pop que nos llega desde Sevilla con mucho de antaño y claras referencias a carretera, polvo y rabia. No son pocas las referencias que podemos encontrar en el combo aunque la más destacada es la que los acerca a los Radio Futura de “De un país ne llamas”. Ahora publican un single doble en el que incluyen esta remezcla del enfant terrible de electro nacional, Juani Misterfly. Este “Lo he dejado fuera” se sube a un Cadillac negro y rompe hacia un toque más siniestro que nos recuerda, también, a Parálisis Permanente.

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Versiones Estelares: “Frente a frente”, Bunbury vs Jeanette

Para servidor la mejor canción, de la carrera en solitario, del amigo Bunbury no es suya. La mejor interpretación, la menos sobreactuada, la más autentica y desgarrada, sin aspavientos ni parafernalia superflua. Se lo debe a Manuel Alejandro compositor, junto a Ana Magdalena, de este temazo de principios de los 80 que popularizó la mujer de los ojos pop, Jeanette. En 2010, el maño más universal supo rescatarla para su disco, “Las consecuencias” y elegirla como primer single lo que fue, sin duda, un acierto máximo que a mí personalmente me reconcilió con un artista al que nunca le tuve especial apego, ni con Héroes del Silencio (ahí menos aún). Menos es más y cuando este señor se hace pequeñito se convierte en un buen ejemplo de que el postureo rockero, de finales de los 80, está muy pasado de moda y engolar la voz más aún. Fijaos que diferencia tan grande entre ambos artistas: mientras que a Jeanette dan ganas de abrazarla y acompañarla a la López Ibor, Bunbury se entierra en negro, en tormenta y sarcófago. La primera aún conserva un puntito de luz, si eso es posible para una canción de letra tan sumamente triste, el segundo la funde y hace que la tristeza sea mucho más intensa. Un diez, sin lugar a dudas, y una canción malísima para escuchar en este tiempo que nos llega. Yo ya tengo un nudo en la garganta.

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Versiones Estelares: This Mortal Coil vs Tim Buckley. “Song to the Siren”

La primera vez que escuché esta canción fue en un concierto de Héroes del Silencio. Servía de intro para su gira “El camino del Exceso”, allá por el 93/94 y recuerdo cómo me puso el vello de punta. Lo mejor del concierto, si me apuras. Estamos hablando de “Song to the Siren” de cuya popularidad, para los ahora cuarentones, se hicieron cargo los místicos y etéreos This Mortal Coil, primero en 1983 y luego (ya en los 2000) gracias a un anuncio de televisión. Sin embargo la canción es mucho más antigua y, aunque prefiero la voz de Elisabeth Fraser, hay que reconocer que su autor original, Tim Buckley, también la supo interpretar de la manera más austera y desgarradora posible. Una guitarra que acompaña un lamento continuo que habla de cosas que no son nada alegres:

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¿Soñé que soñabas conmigo?
¿fuiste liebre cuando yo era zorro?
Ahora mi imprudente barco se escora
roto y privado de amor contra tus rocas
Porque cantas: “no me toques, no me toques, vuelve mañana”
oh mi corazón, oh mi corazón se avergüenza de la pena.

Lástima que ese movimiento oscuro, épico y de atmósferas tan densas, ya haya pasado a mejor vida. Dead Can Dance fue otro ejemplo para aquellos que amábamos cortarnos las venas con la música.

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Versiones estelares: “Wild Is The Wind” de David Bowie

” Wild Is the Wind ” es un temazo de 1957. B.S.O de la película del mismo nombre e interpretada, originalmente, por Johnny Mathis. Hubo tantas versiones de este clásico que sería muy difícil enumerarlas sin equivocarse. Pero de todas ellas dos calaron más hondo que las demás. En 1966 fue Nina Simone la encargada de dar vida al tema en estudio (antes la había grabado en directo) y en 1976 fue David Bowie el que la convirtiera en un éxito masivo gracias a grabarla e incluirla en su Station to Station, sin ser single oficial en su momento, ya que fue lanzada como sencillo años más tarde por estar incluida en un recopilatorio. Bowie admiraba a Simone y viceversa y el primero se inspiró mucho en la forma de cantar de la segunda. Sin embargo el Duque la acelera un poco más, le da el toque pop, soul e incluso electrónico característico de esa etapa artística; la que comprende la denominada “Trilogía de Berlín”. Os proponemos los dos puntos de vista de la canción, no para comparar, más bien para que encontréis alguna similitud en la interpretación de ambos mitos. 

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Una canción de amor: de la necesidad de amar y ser amado, de la súplica de un corazón zarandeado por un viento salvaje…

Ámame,ámame,ámame,me dices
déjame volar lejos contigo
porque mi amor, es como el viento
salvaje es el viento
Dame más que una caricia
satisface esta ansiedad
deja que el viento sople a través de tu corazón
porque el viento es salvaje
el viento es salvaje.

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Versiones Estelares: “Solo soy una persona”. Pop Decó vs Electronikboy

Si hay una canción de Mecano que nos fascine, más que ninguna otra, es la que cerraba el álbum de debut del trío. “Mecano” (1982) tenía tantos hits que era imposible pensar que alguno de sus temas pudiera pasar desapercibido. Todo él se radiaba. Esta miniatura de José María Cano, cuya letra estaba inspirada en Jean-Paul Sartre, es un caramelo naif en contra de las etiquetas y muy a favor de una juguetona ambigüedad que nos descubrió a un hermano Cano, mayor, y muy culto entonces.

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No conocemos muchas versiones de “Solo soy una persona”, de hecho sólo estas dos que nos ocupan. Por un lado el intelectualoide rey de La Movida culta, Fernando Márquez (El Zurdo), que tras darlo todo con La Mode se embarcó en este artilugio de pop delicado y muy leído. Pop Decó, como proyecto, pasó desapercibido pero nos dejó varias perlas a las que hubo que prestarle atención en su día. El disco es del año 1985 y resulta ser una crónica sobre, la extinta ya, Movida. Unía sus fuerzas a Teo Cardalda (Golpes Bajos) para crear temas como La exposición internacional de los 80 o Todos los monstruos. Pero ellos (él) que renegó de Mecano durante aquellos años se atrevió a reivindicarlos con este homenaje. Muy acorde con sus planteamientos de vida, ambigua toda ella .

Por otro lado están los chicos de Electronikboy que han tenido la valentía de rescatar el tema para las nuevas generaciones, cuestión ésta harto difícil ya que muy pocos atienden hoy a otra cosa que no sea ese Trap bastardo, el flamenquito edulcorado o el índie de letras escritas en un templo budista. Ellos le ponen el punto electrónico y bailable, que le hace falta, a una canción de arreglos originales tan minimalistas. Un riesgo importante del que salen muy bien parados y que conforma una reivindicación más del lado menos petardo de los 80, pasado por el tamiz de los 90.

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Versiones Estelares: “Come Prima” de Golpes Bajos

Una de las canciones italianas más populares de todos los tiempos. Una de las más interpretadas: desde Tony Dallara a Doménico Modugno pasando por la francesa Dalida o los norteamericanos The Platters. Hubo hasta versión en japonés. Esta que nos ocupa es del año 1985. Respetando el tema original de Mario Panzeri, Vicenzo Di Paola y Sandro Taccani, los chicos de Golpes Bajos demostraban, con esta versión, su extrema versatilidad. Podían ser semi-siniestros, rockeros, folclóricos, punk, salseros o adalid de la música ligera. Todo eso eran Teo Cardalda, Luis García, Pablo Novoa y, sobre todos ellos, Germán Coppini. Éste último era el que dotaba de personalidad cada uno de los estilos musicales que abordaban los de Vigo. 

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“Come prima” estaba incluida en el primer elepé del cuarteto, “A santa Compaña”. Trabajo que venía precedido por el enorme éxito, sobre todo de crítica, del mini álbum de debut, con clásicos de la talla de “No mires a los ojos de la gente” o “Malos tiempos para la lírica” (aunque muchos se olvidan de que esa joya incluía otras piezas muy destacables como “Estoy enfermo” o la magnífica “Tendré que salir algún día”).

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Germán Coppini venía del punk, vestía su voz de negro. Una de las voces más reconocibles del pop español de todos los tiempos, por cierto. Una de las poses más imitadas, también. La sorpresa fue mayúscula al ver cómo el disco cambiaba de registro en su tracklist de forma tan radical, sobre todo en su cara b. De la muy oscura y localista, “A santa compaña”, a la delicada y costumbrista, “Cena recalentada”, pasando por la versión más melancólica de nuestra protagonista, “Come prima” o la asfixiante “La reclusa”, sin olvidar su primer single, “Fiesta de los maniquíes”. Eso era, precisamente, este álbum; una fiesta de ritmos, de poderosos bajos, de grandes músicos, de una imaginación impecable -e imposible para alguien tan joven- y una voz que era pura tristeza y que daba vida a las mejores letras que se hayan escrito en los primeros 80. Germán era un poeta inmenso que se fue demasiado pronto, aunque sólo físicamente.

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Versiones estelares. “Solsbury Hill”: Peter Gabriel según Erasure

Ya hemos dicho, muchas veces, lo difícil que es que una versión supere a la original. Que quién versiona haga suya la canción hasta tal punto que olvidemos la primigenia. Peter Gabriel escribió este tema justo después de abandonar su grupo, los míticos (a la vez que aborrecibles) Génesis. Su carrera en solitario fue mucho más interesante, moderna y plagada de clásicos. “Solsbury Hill” fue reinterpretada varias veces y utilizada como BSO en algunas películas pero fue en 2003 cuando nuestro dúo favorito de synthpop, Erasure, la hicieron tan “Erasure” que muchos, no sólo la descubrimos gracias a ellos, sino que se convirtió en una de nuestras canciones favoritas de su discografía.

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Fue el primer single de un álbum de versiones titulado, “Other People´s Songs. Álbum de covers que incluía piezas destacadas de grandes artistas como The Korgis, Buddy Holly, The Ronettes o el mismísimo Elvis Presley. Todo un reto (y un riesgo) que les salió a pedir de boca ya que el elepé les devolvió a las listas de éxitos. Personalmente todo lo que cuente es poco. Me enamoré perdidamente de la canción, tanto es así que logró sustituir en escuchas, durante mucho tiempo, a una de mis canciones favoritas de siempre, precisamente también de Clarke-Bell; la maravillosa “A Little Respect”. 

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Versiones estelares: “La noche inventada” de Conmutadores

IMG_8496La noche que nos trae la oscuridad o la luz (depende como se mire). La noche que se inventa y que alberga horrores, según Melisandre. La noche que se dibuja y despega en cohetes naranjas, como apuntaban unos inmensos “Family”. Iniciamos hoy una nueva sección en la que vamos a repasar algunas de las versiones que merecen, bajo nuestro criterio, ocupar un hueco destacado en el panorama musical patrio y “extraterrestre”. Esas canciones que hicieron míticas sus artistas originales pero que, en muchos casos, hemos  “redescubierto” por obra y gracia de otros proyectos que las eligen para sus propios repertorios, como homenaje o, simplemente, porque les gustan. 

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Es el caso de esta banda de electro-rock sevillano. Conmutadores navegaba con soltura por su lago oscuro de música electrónica inspirada en sus admirados Depeche Mode, New Order o Joy Division, entre otros muchos. Pero con su último álbum “Conmutadores” (Lunar Discos) se produjo una reconversión hacia el castellano que les sentó como un guante, sin perder su esencia. En la pasada Navidad sorprendían a propios y extraños con esta versión de un clásico de los donostiarras. El padre nuestro del Indie patrio, fue aquel mítico “Un soplo en el corazón” que nos regalaron Family a principios de los 90. A priori ambas bandas son antagonistas pero el productor Misterfly supo captar la esencia simplista, poética y pop de esta “Noche inventada” y llevársela a su terreno, enmarcado en la electrónica más purista y sofisticada. Nos sorprendió el cambio de registro en la voz del cantante, Victor M y el cariz que éste le dio a tan arriesgada propuesta. Y salió perfecta. La dulzura del mensaje no se desinfla con el cambio, todo lo contrario, Juani Misterfly la redondea, la viste de matices y la lírica se ilumina que la voz de Victor. Una versión que es un 10 rotundo.

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