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Canciones Fluorescentes: ‘Sebi’ de Zala Kralj & Gašper Šantl

Que me da un repelús importante Eurovisión es algo manifiesto—y si no lo he dicho antes, lo digo ahora—. No es un concurso que siga con la pasión que muchos de mis amigos. Es más, creo que este es el primer año que lo veo entero por una fiesta que montaron mis allegados y a la que no falté, más por las viandas que por el espectáculo en sí. Y entre gritos (y pitos) los artistas fueron desfilando por televisión sin pena ni gloria para quien suscribe. Hasta que llegó el momento de esta canción que representaba a Eslovenia. Dos artistas—de nombre impronunciable—que tuvieron los santos cojones de dar un revolcón al festival presentando una canción mínima, precisa, preciosa. Para llamar la atención no hay que subirse a plataformas de fuego, ni meterse un palo por el culo. Tampoco es necesario llevar a un tipo con gafas y guitarra de plástico invitándonos a bailar ‘el robocop’. Se puede captar la atención del público, al menos de una parte importante, con una melodía de hadas como esta, con unos arreglos electrónicos casi naif y una voz que invita a ponerse un abrigo y encender el fuego. Sin artificios, sin pintura…

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Una nueva obsesión por The Cure

La banda británica, el icono máximo del pop-rock oscuro por antonomasia, anuncia nuevo disco.  Aunque tenga curiosidad, es lo de menos. Hace poco mi buen amigo Javier Castellanos me recomendaba la lectura de Cured (MalPaso Ediciones), la biografía del grupo contada por uno de sus hacedores,  Laurence “Lol” Tolhurst.

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Junto a Robert Smith dio forma a una manera de sentir la música que trascendió su localidad natal, Crawley (Inglaterra), para enamorar a millones de fans en todo el mundo. Almas vestidas de negro y gris. El sueño de dos—luego tres—chicos imaginarios que hicieron del ruido una vía de escape salvadora (sanadora) para huir de una ciudad tan gris como la niebla. El tedio de los primeros álbumes de The Cure se entiende mejor leyendo las vicisitudes vitales de sus componentes.

No eran unos amargados de pose, sólo se expresaban lo mejor que podían y esa forma de declamar se convirtió en el mayor culto hacia un grupo de música, yo diría que de toda la historia de la misma. El joven Lol era, como su amigo Robert, un chico de provincias con inquietudes, con ganas de comerse el mundo, sin más parafernalia. En su caso se lo comió y lo regurgitó. Amigos de la infancia que se aman, por encima de cualquier vicisitud. Y es que es de eso de lo que habla Cured: de amistad, de experiencias, de subida al cielo y bajada a los infiernos. De amor por la música y sus consecuencias, buenas y malas. El alcoholismo y su dramática forma de estropear lo que toca. La soledad de la autodestrucción. El olvido y el reencuentro.

Sin Tolhurst no se entendería la historia de esta banda. Un conjunto, siniestro en sus formas pero no tanto en el fondo, que tardó casi una década en triunfar a lo grande. Lo masivo llegó con la publicación de ‘The head on the door‘ en 1986, seis discos después del debut en 1979 con ‘Three Imaginary Boys‘. No cejaron en el empeño de seguir el camino que les dictaba el corazón. La oscuridad fue la seña de identidad y la han mantenido siempre, incluso en canciones más luminosas o experimentos electrónicos como ‘The Walk’ o jazzísticos como The Lovecats’.

Sea como fuere la lectura de estas memorias han suscitado una nueva obsesión en este que escribe. Mientras devoraba el libro escuchaba los discos por orden cronológico y, sinceramente, los he entendido mucho mejor, es más, creo que antes no tenía ni puta idea del concepto The Cure. Todos los álbumes están pasando otra vez por mi cabeza, con mucho más ahínco que en el 84 cuando les descubrí. Quizás sea el momento de que alguien cuente la historia de Depeche Mode, un Alan Wilder, por ejemplo, con el fin de redescubrir joyas como esta:

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Las diez canciones de…Antonio Maldonado

Él es poeta. Un labrador de palabras. Este manchego, afincado en Madrid, destila poesía por los cuatro costados. Dos obras, de momento, le avalan como una gran realidad, que no promesa, de las letras. El Paseo de los Cancerberos (2011) y Cementerio de Barcos (2016) son sus publicaciones, pero en su haber cuanta con importantes premios:  ganador del Certamen de Poesía Nacional Jorge Manrique, en la categoría local, los años 2010 y 2014. Ganador del concurso de Haikus de la revista Círculo de Poesía en 2013. Finalista en el concurso de Haikus organizado por la librería Haikus y la editorial Shinden en Barcelona, 2015. También fue Finalista del I Premio Nacional de Poesía Villa de Madrid en 2015, organizado por la Asociación de Estudios Universitarios. Eso, de momento…

 

ABBA – Chiquitita.

Mis primeros recuerdos son con ABBA, mis padres eran fans y yo les rompías las cintas de cassette

Mari Trini – Una estrella en mi jardín.

Es una canción que llevo escuchando también desde pequeño y cada vez me gusta más.

Texas – Summer son

Recuerdo estar en casa de mis abuelos y ver el videoclip que me dejó embobado. La canción es muy tremenda

Amaral – Estrella de mar

En realidad podría valer casi cualquiera de ellos pero esta es muy especial para mí. Es como una rara avis dentro de su repertorio

Salvador Tóxico – Me tengo que acostumbrar

La primera vez que la oí me caló y sigue muy dentro por el significado de la letra y las imágenes que me trae. Javi es un grande y he tenido mucha suerte al poder actuar en el videoclip de Dentro de tu pijama.

Garbage – The world is not enough

Me enganchó en la primera escucha y me dio un golpe de realidad, por aquellos momentos era adicto al programa de los 40 principales y Música sí en TV. Una pena que ya no se emitan cosas así.

Enrique Morente – Pequeño vals vienés

Omega es un disco histórico y esta canción es pura poesía. Lorca nos agarra con fuerza el alma a través de la voz de Morente.

David Fonseca – The 80´s

Tuve la suerte de verlo en directo siendo muy fan. A una parte de mí le habría sido ser mayor de edad en los 80 y esta canción me transporta a un mundo ochentero virtual.

Vetusta Morla – Valiente

Los conocí gracias a una persona muy especial que ya no está entre nosotros, soy muy fan y esta canción es un espejo social.

Las Bistecs – Historia del arte

Es difícil quedarse solo con diez y sacrifico unas cuantas candidatas por esta. La puse en clase para que mis estudiantes aprendiesen los órdenes clásicos y lo fliparon. Las vi en concierto y distruté mucho.

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Las diez canciones de: Javier Castellanos (Salvador Tóxico)

Echamos a andar, tal y como adelantamos antes de Semana Santa, con esta nueva sección de luz negra con la que queremos conocer, más en profundidad, a los artistas que conforman el universo Lumière. El primero en visitar nuestros aposentos es Javier Castellanos, acá Salvador Tóxico. Ya conocemos su perfil de músico talentoso con voz de arena, capaz de crear las mejores melodías del pop actual (sin despeinarse) y dotarlas de un halo brutal de melancolía.

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El amor— y su contrario— conforman el grueso de su imaginario musical y tras esta selección que nos acerca entendemos, más y mejor, el porqué de esas canciones suyas tan viscerales y delicadas, a la par. Estamos esperando su tercer disco tras ‘Animalismo’ (2013) y ‘Catálogo de Planetas’ (2016) que, por lo que se intuye en el avance, oscurece un poco más la propuesta con colaboraciones de lujo asiático de la talla de La Bien Querida o Nos miran.

Esto nos cuenta:

Quiero empezar esta selección de canciones que han marcado mi vida diciendo que es una tarea difícil para alguien que ama la música, para alguien que dedica a escuchar y a grabar discos gran parte de su tiempo, de su vida. Si esta lista la hago media hora después, hubiera elegido otras, seguro.

Esto es lo que me ha venido a la cabeza ahora.

¡Gracias Lumiere por contar conmigo para este viaje por la música!

Shake The Disease. Depeche Mode

Es de las primeras canciones de Depeche que escuché y también una de las que más me gustan. El estribillo es maravilloso y todavía tiene el poder de transportarme a aquellos días, a aquellas primeras veces.

Slide Away. Oasis

No es la primera canción que escuché de ellos y en realidad todo el “Definitely Maybe” me voló la cabeza. Tenía 16 añitos y fue un disco que marcó completamente mi adolescencia y mi forma de entender la música. Slide Away se convirtió en una de mis favoritas y me sigue emocionando como el primer día. Esa cadencia en la melodía, ese peso en la batería, esa forma de cantar de Liam, esa guitarra de Bonehead (que parecen cuchillas) y la de Noel (toda la segunda parte al borde del acople) hacen de la canción una puta maravilla.

Cherry came Too. The Jesus And Mary Chain

Conocía canciones del Psycocandy (Just Like Honey, Taste of Cindy, In a Hole y Never Understand) porque las tenía grabadas en una casette con un mix de varios grupos, pero reconozco que el Darklands fue especial para mí y esta canción en concreto me lleva a la habitación de un gran amigo donde tantas y tantas veces pusimos el vinilo, donde tantas y tantas veces la “bailamos” creyéndonos los hermanos Reid.

Wild Ones. Suede

Ya era fan de Suede desde el primer disco y esperaba ansioso la salida del segundo, Dog Man Star. Recuerdo perfectamente una mañana de invierno, mi amigo Mario y yo haciendo pellas y refugiados en un bar (“inflándonos” a botellines y con alguna copa de anís), cuando de repente, en aquellos programas que hacían en televisión los 40 principales, estrenaron Wild Ones. Nos quedamos nuevamente impresionados con la pose y la ambigüedad de Brett Anderson. No es la que más me gusta del disco, aunque aquel recuerdo es de oro en mi cabeza. Al final he resultado ser fan solo de sus dos primeros discos. Pero me encantan.

High. The Cure

Posiblemente mi grupo favorito. Me resultaría difícil elegir 10 canciones solo de The Cure. Los conocí cuando el Mixed Up ya había salido y, aunque tengo algunas de mis canciones favoritas en sus tres primeros discos, he elegido High (el primer single de Wish) por ser la primera canción que escuché cuando se estrenó y esa sensación hace que el Wish sea un disco muy especial para mí. Sin duda de mis discos favoritos ever.

Roads. Portishead

Cualquier canción de Portishead es especial porque ellos son un grupo muy especial. Elijo Roads por ser la primera que escuché, aunque podría haber elegido cualquiera del Dummy, del Portishead o del Third. O incluso las versiones en directo del Roseland NYC Live. Maravilla de banda ❤

Pick Up The Phone. The Notwist

Este disco me salvó. No tengo claro de qué, pero fue así. Tampoco es el sitio ni el momento de contarlo. Elijo Pick Up The Phone porque me vuelve loco la intensidad que va cogiendo la canción hacia el final, repitiendo y repitiendo el estribillo. Neon Golden es un disco maravilloso, aunque al grupo dejé de prestarles atención hace años. Seguro que me he perdido canciones maravillosas.

Spread your love. Black Rebel Motorcycle Club

Sigo escuchando sus tres primeros discos con mucha frecuencia, especialmente el tercero, Howl (y el disco posterior de descartes, Howl Sessions). En el primero hay verdaderas joyas como Love Burns, Whatever Happens To My Rock And Roll o Spread Your Love, que es capaz de levantar a los muertos. Qué puta energía y qué puto descaro de canción. Es un escupitajo en toda la cara. ¡Qué grandes!

Incinerate. Sonic Youth

Les empecé a escuchar y a disfrutar cuando editaron Washing Machine. Eché marcha atrás y me comí a “bocaos” el Sister o el Dirty, pero mis discos favoritos de Sonic Youth son Sonic Nurse y Rather Ripped. Me alucina que después de más de 20 años haciendo canciones fueran capaces de estar tan inspirados y de hacer discos como los que menciono. No he oído guitarras en mi vida que me gusten más. ¡Cómo suenan y qué arreglos! Elijo Incinerate del Rather Ripped por poner una, porque cualquiera de estos 2 discos me han acompañado y me siguen acompañando en mis largos paseos por Madrid. Una verdadera joya de discos.

Rocks. Primal Scream

Les conocí con el Screamadelica, aunque reconozco que en aquellos momentos disfruté más del Sonic Flower Groove, el disco anterior. Screamadelica se ha ido convirtiendo en imprescindible para mi con el paso de los años. Es Give Out But Don’t Give Up el disco que me explota en la cabeza con singles como Rocks o Jailbird. Me sigue encantando el sabor que me deja ese disco y siguen siendo un grupo de cabecera para mi actualmente. Da igual si eligen maquinitas para hacer canciones o se cuelgan las guitarras. El resultado siempre es sobresaliente. Para mí.

GRU PA ZO.

Y al final se han quedado fuera Mercromina, Bowie, Radiohead, The Smiths, la Velvet y Lou Reed… y tantos y tantos otros. En fin… 🙂

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Versiones Estelares: ‘Corcovado’ de Everything But The Girl

¿No es esta una canción perfecta para una primavera de color dorado? Esta estación que tanto sobresalto nos está regalando, de tipo climatológico. Las tormentas de la mente  se sobrellevan mejor con la música. Esta bossa nova, preciosa, está datada en 1960 y escrita por Antonio Carlos Jobim. Son innumerables las versiones que se han hecho de la pieza. Grandes de la música como Andy Williams o Joao Gilberto la hicieron suya, Everything But The Girl hizo lo propio en 1996 al incluirla dentro de esa joya de la corona electrónica titulada ‘Walking Wounded’ aunque es su versión de lujo. Escondida obra maestra que más tarde se recogía en el recopilatorio, ‘Like the Deserts Miss the Rain’ de 2002. Sea como fuere la interpretación de Tracey Thorn no puede ser más bonita en el fondo y en la forma. Su melancólica voz es el guante perfecto para esta melodía ardiente que, aquí, está aderezada con esa electrónica que tan buenos resultados le dio al dúo a mediados de los 90. 

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Canciones fluorescentes: ‘Isolation’ de Iggy Pop

Pop. El pobre Iggy estaba perdiendo fuelle. Sus salvajadas punk, fruto del consumo excesivo de cocaína y alcohol, que se mezclaban en su alma como la noche, dieron de sí este álbum de 1986. Dinero. La urgencia por seguir a flote y sobrevivir a las hostilidades de las drogas hicieron de este ‘Blah, Blah,  Blah’, su elepé más comercial. Un trabajo que podría haber formado parte de la discografía de su gran amigo David Bowie quien co-produjo y co-escribió gran parte  del repertorio. La canción más conocida fue el single, ‘Real Wild Chil (Wild One)’, uno de los pocos sencillos extraídos y que tuvo una aceptable repercusión tanto en Estados Unidos como en UK. No entendemos cómo lograron dejar de lado otras de las grandes joyas de la corona: desde ‘Shades’ a ‘Fire Girl’ pasando por ‘Cry for love’ o esta que nos ocupa hoy, ‘Isolation’. Los fans más acérrimos de La Iguana hablan de este trabajo como el peor de toda su carrera. Todo el disco rezuma épica ochentera con mucho colorido, grandilocuencia en los arreglos y mucho teclado. Todo esto planea sobre la voz de Iggy Pop, un registro vocal que podría comerse todo lo que le pusieran por delante. La voz de caverna, la más masculina y sobresaliente desde los 70,s para acá.

Aislamiento. Quizás aquí se le cante a esa dura etapa de la que su hermano de correrías, David Bowie, tuvo a bien salir cuanto antes y del mismo modo, con un disco comercial que le reportara buenos dividendos que le sirvieran de salvación espiritual (don Dinero), que no artística porque después de ‘Let’s Dance’ al Duque Blanco todo le quedaba grande. Es este su mejor trabajo (Bowie) de esa década. La comercialidad al servicio del talento y viceversa.

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¿Tu madre alguna vez te dijo
que los alegres son libres? 
Necesito un poco de amor
como un recluso necesita un centavo
Necesito un poco de amor
como un poeta necesita una rima
Aquí estoy en aislamiento
mis manos vacías en aislamiento
caminando por la carretera rota’ 

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La reconciliación con uno mismo en ‘El final del amor eterno’ de La Casa Azul

¿Casados de amar? ¿Cansados de vivir? Hartos de la monotonía, de la falta de luz en las relaciones, del hastío emocional en todas sus vertientes: con la pareja, la paterno-filial, la falta de empatía para con uno mismo. Todo eso se refleja en esta canción de La Casa Azul, el enésimo single de ‘La Gran Esfera’, un disco tan esperado como alabado ahora por todos y del que conocíamos casi la mitad. Si bien la canción es maravillosa, por arreglos y letra, hoy nos acercamos al videoclip de Juanma Carrillo. Este hombre sabe escribir en imágenes las canciones. Rebajando el tono de la parafernalia o los efectos especiales. Él sabe dirigir miradas, lágrimas, cataclismos del alma, vida muerta, resurrección… Este clip, marca de la casa (Carrillo en este caso) es pura magia visual. De esos trabajos que no te cansas de mirar y que son un festival de las lágrimas: las que produce la desazón y la melancolía suicida del inicio y las que se derraman al final por esa luz de esperanza que recubre la película. Enamorarse era esto.

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La primavera según Presumido

Algo más cálido el sonido, una ventana entreabierta para que pase el aire. Un poquito de brisa marina que regenere cuerpo y mente. Pero sin pasarse. La esencia de Presumido prima por encima de todo y con este nuevo single—que le da la bienvenida a la primavera—, nos sumergimos en el mismo universo electrónico del dúo gallego aunque algo más colorido en su contenido. El continente del avance de ‘PRIMAVERA’, segundo EP de Tarci y Nacho, sigue mostrando un concepto muy distinto a lo establecido, hoy por hoy, en el panorama musical patrio. El pop más luminoso pide paso y da luz a una letra con—otra vez—un estribillo demoledor. Ya vale de circos, de inviernos de ocasión. Bienvenidas esas pirañas doradas y sus mariposas. ‘A la guillotina el miedo’ no deja de sonar en Radio 3 y eso es porque se han enamorado de su manera de sentir la música.

La nota de prensa reza: PRESUMIDO siguen engrasando su sello Presumido Records con A la guillotina el miedo, single de “Primavera”, el segundo de los cuatro EP que formarán parte de su nuevo trabajo Cuatro Estaciones. La producción, grabación y mezcla ha ido a cargo de Iago Lorenzo, y está Masterizado en 24-96 Mastering (Alemania) por Robin Schmidt(Placebo, Two Door Cinema Club, Mando Diao, Wolf Alice, The Kooks…)

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Esta nueva canción, junto a su videoclip (Visaki Flims) corta de cuajo con los colores y sonidos fríos, así como con los aromas propios del invierno, para dar paso a unas atmósferas llenas de luz y color primaveral. Nos encontramos ante quizás, la canción más pop de la trayectoria de la banda, con claras influencias de St. Vincent o las producciones de los últimos años de Max Martin (Taylor Swift, Ariana Grande, Katy Perry…) pero también de esos gurús más experimentales como James Blake, Jon Hopkins o Bon Iver. Todo ello en castellano y, bañado como siempre en esa retranca que les caracteriza.

A la guillotina el miedo ha sido grabada en diferentes refugios de montaña sólo accesibles una vez remite la estación invernal.

Las estaciones de Presumido siguen su camino con un ritmo implacable y riguroso,  ordenadas y cambiantes como los ciclos naturales.

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Yo decido si quiero escuchar a Michael Jackson​ o no

Un puto documental viene a poner en el punto de mira—si es que alguna vez ha dejado de estarlo—al Rey del Pop. Sí, ya sabemos que ‘Leaving Neverland’ insiste, esta vez con testimonios de primera mano, en el caso de abusos sexuales del divo, de su supuesta pederastia. Hablan dos de los protagonistas de tan oscuro affaire. Dos niños, adultos hoy, de los que ya se daba cuenta en esta biografía de 2009. Un libro que no pude terminar de leer porque me dio cierto asco. Así, ni más ni menos. Repulsión hacia la figura que planteaba el autor—J.Randy Taraborrelli—en la que ya se evidenciaba la querencia del artista a los juegos con gente menuda. Una biografía triste, escandalosa, donde se exponen los supuestos casos de abuso pero también la elasticidad emocional de la familia de los afectados ante la posible renta económica que este asunto les planteaba.

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No pude terminar de leer porque, sencillamente, me aburría tanta casquería. El tío era raro, mucho. Eso lo sabemos desde que se puso el famoso guante blanco de diamantes. Todos coinciden en su desvarío de niño terrible, maltratado, tímido y su conversión en un déspota con los que trabajaban junto a él. De todo eso ya hablan sus biografías ¿Qué hay de nuevo?

Vetan ahora sus canciones en un par de países y mucho me temo que esto se convertirá en ejemplo a seguir. Como si su música, esa misma que han comprado cientos de millones de personas, ahora dejara de tener la calidad que tiene. Como si su música fuese un veneno para el alma de quien la escucha. Como si su música hiciera infeliz a la gente. Borrar de la mente temazos como “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, “Beat It”, Thriller, ‘Human Nature’ o ‘In The Closet’ es imposible. ¿Quien me lo va a prohibir?

¿Quien pretende borrar de un plumazo un legado semejante? ¿Se puede desahuciar la obra artística, su significado y la influencia que ésta haya podido tener en las personas de a pie por muy hijo de puta que haya sido su creador? El talento no justifica las acciones personales de cada individuo, ni la adoración que se le pueda tener, por supuesto. Pero sigo considerando a MJ como uno de los artistas más grandes que ha dado la historia de la música en este planeta tan mojigato en el que vivimos. Nadie como él supo aunar artificio, fuegos artificiales y canciones de nivel máximo. Sus últimos discos no me emocionaron lo más mínimo, pero por su falta de calidad, a mi entender, no porque este tío fuese una especie de monstruo de las galletas. Es más, acabo de recuperar los míticos ‘Of The Wall’ y ‘Thriller’ en vinilo porque los había perdido hace tiempo. Así que apunten y disparen sus balas de sensacionalismo barato, oportunismo barato, hipocresía barata para matar al genio. Dueños de cadenas y plataformas, esos de los que desconocemos sus vidas, vicios y costumbres en la intimidad,  que yo me quedo con una parte de la carrera inmensa de este hombre cuyos actos, de ser ciertos, condeno enérgicamente. También lo hice con Polanski y sigo adorando ‘El baile de los vampiros’ y ‘Chinatown’.

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Versiones Estelares: ‘Electricistas’, cover de Fangoria por Capitán Sunrise

Santi Diego, cantante y compositor de Capitán Sunrise, tiene una de las voces más dulces del panorama musical patrio. Eso ya lo sabíamos de sobra. Imaginaos el concepto :indie-folk-delicado de la banda madrileña haciendo suya una canción mítica de la electrónica nacional. Eso ha pasado y desde aquí rogamos—exigimos—que lo que han colgado en su canal de YouTube se lleve a la práctica vía grabación en estudio y posterior publicación como cara b de algún single futuro. El contenido es esta versión de ‘Electricistas’, una de las piezas más importante dentro de la dilatada carrera de Fangoria. En el top 3 de sus mejores momentos, sin duda. Los de Santi se la llevan a su terreno, en acústico y se nos ha caído el mundo, literalmente. Preciosa es poco…

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El continente: formaba parte del set-list de un concierto llevado a cabo el pasado 23 de enero en el madrileño museo de CERRALBO dentro del ciclo denominado “A las Veinte Cero Cero”. Hay que escucharla hasta el final porque los últimos acordes están dedicados a los amantes del silencio…

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Canciones que me hacen llorar: ‘I Wanna Be Adored’ de The Stone Roses

Aunque la letra es todo un alegato al ‘yoísmo’ más irreverente, a la par que simple, servidor no la llegó a entender hasta adquirir los mínimos conocimientos de la lengua de Shakespeare. Tampoco era tan complicado atendiendo a un estribillo machacón que nos decía: ‘Quiero ser adorado’. Sea como fuere este himno de finales de los 80 fue una de las canciones más conmovedoras de aquel movimiento ‘Madchester’ que atrapaba a propios y extraños con melodías cercanas—muy cercanas—a The Beatles pasadas por un filtro dance casi lisérgico. La canción abría el álbum debut de los británicos, comandados por Ian Brown, cuya adoración, como su propio titulo indica, fue total y absoluta por parte de crítica y público. No tuvieron que vender su alma, en absoluto. Fueron alzados en volandas hasta el altar del mayor grupo de culto del Reino Unido con tan solo dos discos en el mercado y no pocas desavenencias entre sus miembros que, una vez desmembrados, dieron vida a otros proyectos maravillosos como Seahorses o Primal Scream.

No entendía la letra pero sí la intensidad de la canción: su épica que relacionaba con dolor y tristeza, con rabia y rebeldía…Sólo había que ver como iban vestidos, dejando atrás el culto a la imagen de los 80 y cómo era su puesta en escena; ni bailar, ni cantar. En cualquier caso no había que perdérselos.

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‘Removerás Montañas’ de Molina Molina junto a Javier Álvarez

No hace mucho conocíamos de esta colaboración entre el granadino y el madrileño. Molina Molina y Javier Álvarez, éste último viviendo una segunda juventud tras la publicación de su nuevo y notable disco, ’10’ y dejando claro que donde hubo fuego, quedan rescoldos. ‘Removerás Montañas’ es, desde el principio, mi canción favorita de ese disco de pop perfecto y pizpireto llamado ‘La gran Esperanza Blanca’. Este temazo es el que cierra el elepé—en pequeñito pero dejando una estela tan grande como las cuerdas que lo acompañan, también las vocales—.  ‘Puede que uno de los dos no esté tan vivo’, esa es la maza melancólica con la que nos aporrea este single que se ha editado para añadir segundos de disfrute. La conjunción entre ambos artistas es perfecta. La canción parece que está hecha a medida para el propio guerrero Álvarez, también el videoclip aunque él no aparezca físicamente.  Javier está escondido en los cascos de Molina y le susurra las estrofas que le corresponden, lo invita a insultarle—con o sin motivo—y todo en blanco y negro. Este trabajo videográfico, de entrada, nos recuerda a los vídeos que acompañaron algunas de las canciones del mítico ‘Automatic for the People’ de REM.

Pepe Molina se desdobla, entre el artista aclamado y el hombre de a pie, para decir que sigue pensando en alguien…

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Amaia da una bofetada de 1′ 50”

Cómo ya sabéis aquí sólo escribimos de lo que nos gusta. Jamás leeréis una crítica negativa sobre un trabajo concreto—a excepción de las peores canciones de Mecano de los que somos fans, por cierto—. Todavía no hemos hablado de Izal o Love of Lesbian, por poner algunos ejemplos, porque aún no nos emocionan. Jamás lo hemos hecho con los chicos y chicas del tan cacareado OT 2017. Sin embargo, sin embargo—repito—lo de esta chica me ha dejado sin argumentos, sin prejuicios y eso que tengo pocos. No me gustó nada la canción que nos representó en Eurovisión, junto a uno de sus compañeros. Ahí se desinflaron mis expectativas con esta chica que flipaba, dentro de la Academia, con ‘Yo maté a un policía motorizado’ o con Zahara. Una indie entre Bustamantes. 

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No sé si la están dirigiendo hacia el otro fenómeno musical que sigue dando pasta: los festivales y los conceptos tipo Vetusta Morla capaces de llenar un estadio sin necesidad de salir en Los 40. Con esta canción desde luego ahí no va a salir como sí hacen sus compañeras (todas) de generación triunfita. Si está siendo dirigida, muy bien y si no, mejor aún porque entonces sí que podemos hablar de un fenómeno total. La valentía de Amaia que nos descerraja este ‘Un Nuevo Lugar’, un no single que vale por toda una carrera. Un minuto y poco que sabe a mucho, muchísimo. Ahí ha metido desde Portishead a la propia Zahara, pasando por los Mecano más etéreos. Y esa sonrisa final que parece decirnos: ‘no tenéis ni puta idea de lo que estoy haciendo’ . Y luego está ese punteo de guitarra del  inmenso Raül Refree. 

Bravo chica…

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La bellísima vuelta de Salvador Tóxico

No es una canción de Navidad, pero lo parece. No es una canción de amor desesperada, pero lo parece. Una lucha interna, quizá. Sea como fuere— las lecturas podrían ser muchas—lo importante es que Salvador Tóxico está de vuelta. El proyecto, encabezado por Javier Castellanos, acompañado aquí por Javier León y Chema Ruíz, da un pequeño giro a su delicada propuesta, mínimo al menos en este ‘Laboratorio Espacial’, sin abandonar la esencia, para demostrar que pueden seguir creciendo. La canción es el adelanto— o regalo navideño—de lo que está por venir: un álbum de once nuevas canciones que se recrudecen para ahondar en el interior del artista, aquí exponenciando su miniatura, esa pequeñez que hace de Castellanos su seña de identidad.

Una vuelta al Salvador Tóxico más íntimo, más desgarrado, más obsesionado por ofrecer canciones envueltas en capas y capas de sonido, de matices, de mínimos. Nos Miran, el dúo revelación del año, le da el toque sideral a una canción enorme, sobre todo la fase final en la que los coros le cantan a un Satanás envuelto en luces navideñas. Un final de película que bien podría acompañar una nueva revisión de ‘Qué bello es vivir’.

Los chicos de Rau Foto le ponen luz a este lyric. Nos pasean por Madrid de la mano de sus elfos.

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Hits que nunca lo fueron: “Take That” de Anna Domino

¿Quien es Anna Domino? ¿Alguien la recuerda? Pocos, imagino. Sin embargo fue una de las féminas más sobresalientes en la segunda mitad de la década de los 80. Cuando triunfaban conceptos muy parecidos, léase Suzanne Vega. Cantautoras de pop frágil y pluma afilada. Poetisas de convicciones que nos hicieron soñar con un cierto empoderamiento por parte de la mujer en un terreno abonado, normalmente, por hombres. Fueron las pioneras del Indie, mucho antes de que llegaran a escena los buques insignia de principios de los 90. La estética de su propuesta (y propia) se basa en TODO: el pop, ya mencionado, el rock, folk e incluso funky. Os ponemos tres piezas, muy distintas entre sí, que demuestran la versatilidad de Domino, esta artista de origen estadounidense aunque afincada en Europa que grabó para Les Disques du Crepuscule y Factory Records. Llegó a colaborar con  The The o Virginia Astley.

Pero hubo más…

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Presumido:”Vimos peligrar el proyecto y dijimos ¡NO!”

“Cuando nos pasó esto, se pusieron en contacto con nosotros varias bandas y ex-bandas de algunos de los más míticos “sellos independientes” de este país para contarnos que habían pasado por lo mismo y que, entre la desmotivación y la incapacidad para pagar su libertad, dejaron que se muriesen sus proyectos”

Ellos dos han demostrado que por muchas trabas que te ponga la vida, la ilusión de seguir hace que te empeñes hasta las cejas. Que te desnudes. Han acaparado portadas—decenas—en otros tantos medios importantes de este país y todo por querer ser libres apara poder seguir creciendo y demostrando que son uno de los proyectos musicales más atractivos del momento. Su pop para soñar, su—a veces—inquina emocional y su imagen nos tienen enamorados. “Vendetta” fue su carta de presentación y quieren  seguir repartiendo pizzas ‘Cuatro Estaciones’. Su nuevo disco parece no alejarse de esa socarronería tan personal. Cuatro epe’s, como cuatro estaciones, de títulos: “Invierno”, “Primavera”, Verano” y “Otoño” que serán servidos en cajas de pizza. Al menos eso estamos entreviendo en sus redes. Hemos querido conocer detalles de esta epopeya que les llevó a quedarse sin instrumentos para poder pagar su libertad de una compañía que parece ser no entendía su propuesta. La respuesta de los fans ha sido inmediata. Así se vivió:

-Habéis tenido que comprar vuestra Libertad. Tan duro como real, en pleno Siglo XXI ¿Qué parte de vuestro trabajo sesgaba la compañía?

Sus intereses chocaban con los nuestros, la mayor parte de nuestras propuestas caían en saco roto y cuando intentábamos solucionar los problemas, la comunicación no era nada fluida… Todo esto nos provocó una sensación de angustia que estaba poniendo en serio peligro al proyecto.

-¿Se entiende que compañías tan pequeñas y, supuestamente, en pro de ayudar al artista también “pequeño”, utilicen estas artimañas tan de los 80, 90?

Cuando nos pasó esto, se pusieron en contacto con nosotros varias bandas y ex-bandas de algunos de los más míticos “sellos independientes” de este país para contarnos que habían pasado por lo mismo y que, entre la desmotivación y la incapacidad para pagar su libertad, dejaron que se muriesen sus proyectos. Muchas bandas que de cara a la galería van muy bien, de repente desaparecen de un día para otro ¿Nunca os habéis preguntado por qué?

La realidad es que no existen compañías pequeñas y grandes, solo compañías, a secas.

-También cabe pensar que vuestra proyección es inmensa y dejaros escapar es una locura…

Una vez escuchamos a un gran artista mexicano decir “encuentras a tu equipo después de trabajar con toda la gente que no es tu equipo”. Una banda no se puede proyectar hacia ningún lado si no está a gusto con la gente que trabaja.

-¿Cómo ha sido el proceso que os ha llevado a empeñar los instrumentos?

Estábamos asumiendo todos los costes del nuevo disco (producción, grabación, videoclip…) y encima teníamos que pagar por quedar libres… Así que dijimos: “tenemos que acabar el disco y pagar la libertad, sí o sí ¿Pero de dónde cojones lo sacamos el dinero?” Nos habíamos gastado toda nuestra pasta en el nuevo material y la opción de un crédito era inviable porque ya estábamos pagando otro. Así que, decidimos empeñar los únicos objetos de valor que teníamos, nuestros instrumentos. Con el dinero del empeño pagamos nuestra libertad.

Una vez libres, contamos la aventura a nuestros fans, que no dudaron en ayudarnos económicamente (y anímicamente) a recuperar nuestros instrumentos en un tiempo récord: poco más de dos semanas.

-Y la respuesta del público  os ha metido una inyección de speed en vena, ¿no?

Fue una pasada. La respuesta del público fue abrumadora. Pero incluso gente no seguidora, como algún ex-deportista olímpico conmovido por la historia, decidió apoyarnos. Nos ha quedado claro que la solidaridad sigue ahí, dentro de las personas, en cantidades industriales. Solamente hay que tocar la tecla adecuada.

Nuestro sentimiento de agradecimiento es infinito.

-A nivel promoción esta “estrategia” os ha servido de mucho. Estáis en todos los medios…

La situación nos ha dejado económicamente “a pre”, sin la posibilidad de pagar una promo para el nuevo disco. Así que, de alguna forma, hemos conseguido darle un poco de bombo al nuevo trabajo y preparar el terreno con toda esta presencia en medios que ha tenido nuestra epopeya.

-¿Este mal trago repercutirá en el resultado final del disco, o ya estaba acabado?

Por supuesto que repercutirá. Pero positivamente.

Toda esta situación nos pilló en medio de la grabación y tuvimos que parar. Pero hemos conseguido convertir la adversidad en oportunidad, ya que hemos pensado “oye, ¿y si sacamos un EP con las canciones que tenemos ya grabadas?”. Y de esa idea, salió la siguiente: sacar el disco dividido en 4 EPs, de forma que podremos acabar cada uno de ellos mientras sacamos y rodamos el anterior.

-¿Nos podéis adelantar algo del mismo? De los cuatro ep’s?

Se llamarán “Invierno”, “Primavera”, “Verano” y “Otoño” y juntos formarán un LP: Cuatro Estaciones.
Es un disco mucho más intenso, electrónico y quizás homogéneo que “Vendetta”. Suena tremendamente internacional y nos morimos de ganas por compartirlo.
La mejor noticia es que en cuestión de días ya podréis empezar a conocerlo.

-¿Por qué sois tan preciosos?
La belleza está en la mirada, no en lo que se mira. Estamos seguros de que nos somos tan “bonitos” para todo el mundo… jajajaja.

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Un fuerte abrazo y un millón de gracias por estar siempre al pie del cañón presumido.

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¿Cual es la peor canción de Mecano?

Para servidor es esta: ‘El ladrón de discos’, cancioncilla que cerraba el irregular ‘Dónde está el país de las hadas’ del 83. Las prisas no son buenas pasajeras en un viaje que ya se preveía “poco hecho” atendiendo a las ganas de la compañía de seguir exprimiendo el limón de este proyecto multiplatino con su aclamada primera obra, ‘Mecano’. ‘El ladrón de discos’ está mal grabada, mal producida, medio cruda, mal cantada—como con una pinza en la nariz del pequeño Cano, al que ya se le intuía cierta querencia a las sustancias—. Tampoco Alaska cantaba una mierda y mira…El caso es que esta canción podría haber formado parte del repertorio de Los Pegamoides y no haber pasado desapercibida de esta manera tan brutal, incluso de unos Parálisis Permanente algo más esclarecidos. Esas guitarras mal puestas, ese momento rock sucio, no correspondía, para nada, con el resto del repertorio de Mecano, ya plagado de momentos sonrojantes con tan solo dos discos: léase ‘La Fiesta Nacional’ o ‘Focas’ del susodicho segundo elepé y descartes como ‘Super Ratón’ o ‘Viaje Espacial’. La guinda es escuchar/ver esta pieza en directo y aquí hemos descubierto un documento único.

La—ahora—cuestionada carrera musical del trío madrileño ha dado, da y dará para mucho. Se habla de sus peores rimas, de ser el sumun de la horterada, del pastel, de lo cursi, del exceso…Pero fueron muy grandes, posiblemente los más. Pero si tuviéramos que hacer un ranking con sus diez peores canciones, sería este:

Esta última es para meter la cabeza en la tierra…

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Canciones que me hacen llorar: ‘Chasing Cars’ de Snow Patrol

Nos pasamos la vida persiguiendo una quimera. Casi siempre nos quedamos en el camino. Quizás sea esa la fórmula de la verdadera felicidad, disfrutar de lo andando mientras se camina, pararse a contemplar, fijar la vista en algo, sin mirar a nada. No esperar nada…’Persiguiendo coches’ que no conducen a ningún sitio. ‘Chasing Cars’ fue el single que catapultó a la fama a este grupo de rock alternativo. Gracias a la providencia de aparecer en una serie de tanto éxito como ‘Anatomía de Grey’. Número uno en USA y muy cerca de la posición más alta en el Reino Unido, la canción es una catedral de emociones. Desde el punteo de guitarra inicial a la explosión épica del último tercio. De esas canciones que te pones, a todo volumen, cuando estas triste o cuando estás alegre porque vale para ambos estados de ánimo. A mí me daba por llorar, en su momento, porque no entendía la letra. La lírica la adaptaba yo a mis desvelos.

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Canciones que me hacen llorar: ‘Fast Car’ de Tracy Chapman

¿Quien no ha soñado con coger un coche rápido, lo más raído y potente posible, y huir del mundo? Todos, en mayor o menor medida. ¿Quien conduce? ¿Quien es el copiloto? La cadencia de esta enorme canción, la melancolía de la acústica y esa voz de arena soplada fueron clave para los que quisimos huir en algún momento. ‘Fast Car’ de Tracy Chapman vino a revolucionar el panorama musical de 1988, cuando los muertos vivientes de La Movida aún sacaban pecho (sic), cuando el Acid Jazz comenzaba a dar sus primeros pasos así como los adelantados de la música indie o el Britpop. Finales de los 80, principio de los 90: un cambio de década que, musicalmente, se perdía buscando, precisamente, un nuevo camino.

Tracy Chapman es una cantautora rotunda. “Desnuda y vertical, pero ceñida a la línea de la tierra”, como declamaba el alumno de Machado, Dionisio Ridruejo. Este fue uno de sus dos grandes éxitos, ambos incluidos en ese primer álbum multiplatino y premiado hasta la saciedad.

Este fue el otro…

Una metáfora sobre la vida que anhelamos y que cuando conseguimos no nos llega a hacer felices del todo.

“Tienes un coche rápido,
yo quiero un billete a cualquier lugar,
quizás podamos hacer un trato,
quizás juntos podamos llegar a alguna parte,
cualquier lugar es mejor,
comenzando desde cero, no teniendo nada que perder,
quizás consigamos algo,
yo misma, no tengo nada que probar”.

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Presumido recuperan su libertad con dos cojones

Empeñar: entregar a alguien una cosa de valor, en depósito a cambio de una cantidad de dinero. Empeñarse en seguir soñando, nadando hacia la orilla, desnudos. Creo que no había sentido algo tan emocionante, triste y valiente en la historia más reciente de nuestra música. Pero la tristeza se ha convertido en una explosión incontrolada de luz. ‘Presumido’ empeña sus instrumentos para poder pagar su libertad. Para ser dueños absolutos de sus sueños, de cómo los entienden. Sin medias tintas. La Industria y los artistas chocan cuando cada uno ve las cosas desde un prisma diferente, le ocurrió a Zahara con una multinacional y les ocurre a nuestros chicos con una compañía y una agencia que se encuentran en las antípodas de lo que a ellos les hace felices. Por eso van a autoeditar su segundo álbum. La puta libertad cuesta 6.000€ y para poder hacer frente a tal canallada han puesto en marcha este crowfunding para poder recuperar sus manos y sus pies, la ropa con la que vestirse una vez alcancen la anhelada orilla. Son muy especiales, artísticamente y de forma personal. Su retranca nos ha enamorado a la par que unas canciones (creadas por brujas) cuyo sello de identidad es más que reconocible. Crean ambientes tan bellos que jamás podrán ser oprimidos. Nosotros ya hemos aportado…¿Y tú?

ENLACE PARA HACERTE MECENAS

Y agradecidos…

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Niños para siempre

Hace unos días, en concreto el pasado 18 de octubre, la Plaza del Pilar de Zaragoza acogía un concierto histórico para cerrar sus fiestas. Niños del Brasil nadaron entre un mar de gente, de fans que adoran esta banda de culto zaragozano.

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Cómo ya os hemos adelantado, en alguna que otra ocasión, el grupo trabaja, actualmente, en la edición de un CD+DVD que recoge aquel recital de música electrónica, pop oscuro e ironía ilustrada. Tres años después aún siguen hilvanando historias. Nos cuentan que este trabajo tendrá una duración aproximada de catorce horas. Y que se pondrá a la venta esta Navidad. De momento ya hay un videoclip que lo avanza todo y con el que demuestran que aquello hizo historia, que su legado sigue en pie, que sus días de gloria no habían pasado cual estrella fugaz…

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Mist3rfly se pasa al DANCE, así en mayúsculas

La enésima reencarnación del productor sevillano, Mist3rfly. Su nueva némesis para esos oídos sordos de sonido electrónico de calidad. Una fusta, eso es ‘Yes Baby’. Un látigo bailable, a nivel interplanetario, que empareja al músico con Rex the Dog, Chemical Brothers o Modeselektor. Comienza así una nueva etapa, e incluso habla de filosofía, en cuanto a sus trabajos en solitario se refiere, abandonando el concepto de álbum con la idea de ofrecernos, periódicamente, nuevos trabajos en formato Ep.

Son, casi, 30 años de carrera que han dado mucho de sí. Ha publicado y producido, entre singles, LPs y EPs más de 90 discos para sus bandas Electronikboy , Lemon^fly, Conmutadores, X+M, Parabólica, Munich 72,  etc. Del mismo modo son numerosas las remezclas realizadas para artistas españoles y mexicanos como Fangoria, Spunky, La Prohibida, Dwomo, L-Kan, Niños del Brasil, Tröika , 747 Federales, Delicado Sónico, Salvador Tóxico, Montevideo, Lorena C. , Pedro Marín, Sílica Gel, Asustadizo, Alton, y otros tantos…

Yes baby Ep. Contiene tres cortes

01.Yes baby (Radio Edit)

02-Orbitablium (Original Extended Mix)

03-Yes baby (Entended Mix)

 

Mist3rfly en las redes:

https://www.facebook.com/Mist3rfly.oficial/

https://twitter.com/juanimisterfly

https://misterfly.bandcamp.com/

https://soundcloud.com/mist3rfly

https://www.instagram.com/juanimisterfly/

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Descubriendo a Data Error

Sevilla es la ciudad moderna que muchos no quieren ver. Debajo de los estereotipos y topicazos de la ciudad existe un entresijo electrocultural que para sí quisieran en muchos sitios. Es uno de los principales bastiones de la Electrónica en nuestro país y las pruebas me remito. Hoy descubrimos este proyecto que une al productor sevillano JM Mantecón con las voces de Airyn y Christian Ruíz. Dicen que su música está basada en la literatura y las películas de Ciencia Ficción. Buen mimbre para elaborar una cesta preciosa de electrónica aterciopelada que nos evoca (incluso en el videoclip) a uno de los proyectos más reivindicables de la historia de esta disciplina musical: The Beloved. Nos gusta. Nos gusta mucho…

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Nos Miran presentan ‘Contigo’

Sin respiro, casi, el dúo formado por Marta Quintana y Sergio Rodríguez presentan el avance de un nuevo EP que bajo el titulo de ‘Contigo’ nos traerá cuatro nuevos temas de pop electrónico. La publicación está prevista para el próximo jueves. Ya conocemos el single, de título homónimo, con el que esta pareja vuelve a demostrar su pasión por el pop sintetizado con el sello indiscutible de Elefant Records. La voz aniñada de Marta casa perfectamente con los teclados, algo tristes, de Sergio. Como referencias, muchas: desde La Bien Querida a Javiera Mena aunque avanzan que con este trabajo han querido sacar a la luz su vertiente más oscura y melancólica. En cualquier caso no estamos ante una flor de un día. El proyecto crece y se reproduce y pone en el punto de mira, de nuevo, esa electrónica de calidad algo denostada en los últimos tiempos.

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Les podremos ver en concierto abriendo el concierto de Javiera Mena en Madrid, el 19 de octubre en el Ochoymedio de Madrid.

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El zarpazo de Zahara a…

La sorpresa ha saltado en lo últimos días. Zahara tiene nueva canción que no anuncia previamente, con lo que ella es para eso. Zahara tiene una bestia dentro, una suerte de hienas rabiosas que suelta en esta estructura musical catedralicia, extraña pero muy efectiva. Composición limpia, cristalina, entendible, bailable y de lírica reivindicativa. Que asco de todo ¿verdad? Que mierda de política, la que hacen los políticos ojo, no la que desea el mundo. Palabras huecas, retórica ilustrada arreglo al interés de cada cual. Esta osada cantante, compositora y música, atraviesa conciencias con sus letras, con esta en concreto. ¿De quien habla? ¿A quien invita a cenar? ¿Quien (y por qué) tiene plata en la nariz, aparece desnudo y destila mamoneo del bueno desde un estrado cualquiera? ¿Quien defiende la gestación subrogada? ¿Dónde queda la angustia de la mujer que vende su vientre? A su hijo, en definitiva.  Libertad y derecho a decidir, por supuesto, pero uno se pone en la piel de esas mujeres y no deja de darle vueltas a la cabeza sobre los posibles daños colaterales, esos que no anestesia el dinero. Zahara también reflexiona sobre eso y de manera nada sutil: “si eres tan valiente préstame tú tu vientre, véndeme los hijos que tengan tus hermanas”. Zahara rompe con dulzura el cordón umbilical con lo establecido y nos enseña una primera canción que, según ella misma, no representa el conjunto del futuro elepé pero que tenía que sacar. Una valiente que se desnuda, de verdad, sin plata en la nariz.

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